Gogol Bordello, y que siga la fiesta

El grupo neoyorquino, máximo exponente del gypsy-punk, visitó nuestro país. Para los que no pudimos viajar para verlo dejo aquí unas cuantas crónicas de sus actuaciones y una biografía.

Gogol Bordello, y que siga la fiesta

El grupo neoyorquino encendió a sus seguidores con su 'gypsy-punk' atolondrado en Razzmatazz

JORDI BIANCIOTTO- BARCELONA

Qué tiempos, cuando The Pogues y Mano Negra incendiaban salas barcelonesas como la misma Razzmatazz. Ante su ausencia, tenemos a Gogol Bordello, la banda que Madonna sacó al escenario en el Live Earth. No es lo mismo, pero estos neoyorquinos con raíz multinacional saben entretener al público natural del folk-punk más loco y poner del revés una sala como la de Poble Nou, que casi llenaron el lunes un año después de desbordar Apolo.
Su campo de batalla es el directo, y la expresión no está elegida al azar. El ucraniano Eugene Hütz ejerce de cosaco infatigable (el grupo rinde homenaje a Nikolai Gogol, autor de Taras Bulba) y frontman en pie de guerra, y dirige el autoproclamado gypsy-punk hacia el choque frontal con la audiencia en un clima de paroxismo regado con alcohol.
Salió con una camiseta de Camarón (que duró poco) y empuñó un repertorio con títulos tan aromáticos como Tribal connection y Think locally fuck globally en un formato de charanga sin fronteras con toque teatral (dos cheerleaders que tocan platos y bombos). Colisión de ritmos balcánicos y rock de garrafón, como unos Emir Kusturica & No Smoking Orchestra con más ensayos: lo suyo, pese a ese aspecto desaliñado, está bastante engrasado.

CAROTONE, EL INVITADO
Razzmatazz se entregó al ritual y bailó sin freno canciones que fundían marchas populares y trazos de reggae y ska, que se interrumpían en seco para acelerar su ritmo e incluían rutinas rockeras y espasmos de acordeón y violín. Repertorio prácticamente encadenado, sin esperas, con momentos inflamables como Mishto, American wedding y Baro foro. Y, en los bises, la sorpresa de sacar a Tonino Carotone, que lleva una temporada desaparecido en combate, para que cantara una pieza nueva. De ahí, al homenaje explícito a Mano Negra con su clásico La mala vida. Pues sí, la mejor canción de la noche.

Fuente: El Periódico (http://www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=569376&idseccio_PK=1013)


Gogol Bordello arrasa en su visita a Galicia

Los neoyorquinos agotaron entradas con su punk balcánico discotequero

Los Mano Negra de la generación que no pudo ver a Mano Negra. En un espejo así parecían mirarse los Gogol Bordello que, el pasado jueves, organizaron una de las noches más tumultuosas que recuerda la compostelana Sala Capitol. Con un lleno de público sólo equiparable al que asistió a la doble sesión de Los Planetas o a la presentación del In-komunikazioa del Fermín Muguruza, la última sensación emergente del Lower East Side neoyorquino arrasaron, literalmente, en su segunda visita a suelo gallego.

Comandados por el vitamínico Eugene Hütz, un cruce entre Peret y Joe Strummer que apunta maneras de celebridad, la entente Bordello la componen ocho miembros. Esencialmente rítmicos -violinista y acordeón, dos tipos aparentemente rescatados de entre los músicos callejeros de una ciudad de la Europa oriental, cargan todo el peso melódico-, la banda de expatriados funciona como una apisonadora. Y aunque, por momentos, pequen de cierto piñón fijo musical, a la audiencia de Santiago no le importó: en las primeras filas del concierto el pogo salvaje no cesó durante más de hora y media.

Los Gogol Bordello de finales de 2008 bordean los balcanic beats. A pesar de que proceden del punk, su deriva conduce a una especie de combat disco, aireado con fanfarria, análoga al combat rock de The Clash. Y ya forman parte, junto a propuestas dispares y descaradas como la cingalesa M.I.A. o los puertorriqueños Calle 13, de una música bailable pero atenta al mundo, crítica, para la época que viene después del neoliberalismo.

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/Galicia/Gogol/Bordello/arrasa/segunda/visita/Galicia/ano/elpepiautgal/20081213elpgal_16/Tes)

Porompompero

El sábado montaron un fiestón en la Rock Star Live de Barakaldo los neoyorquinos de residencia pero de proveniencia global Gogol Bordello, a saber: dos sexys bailarinas asiáticas, un cuarteto de rock liderado por el gitano bigotudo ucraniano Eugene Hütz (actor ocasional protegido por Madonna), más un violinista pirata y un acordeonista barriero. Ocho tipos estos de diversas procedencias (etíopes, hebreos, rusos, ecuatorianos...) y con vocación izquierdista (pese a que su líder descalifica con razón y conocimiento de causa la experiencia soviética) que llenaron a medias (el aforo quedó menguado debido a la crisis, las cenas prenavideñas, los compromisos sociales, la abundancia de bolos con los rumberos Muchachito Bombo Infierno la víspera en Bilbao, etc.) un recinto donde primaron los muchachos.

El concierto previo al bis fue una 'rave' eléctrica y gitana con el octeto sin bajar el pistón, influido sobre todo por Mano Negra, pariente no tan lejano de la orquesta de Kusturica y a veces rozado por el dub de los Clash. Embargados por unas ganas de parranda portuaria que se revelaban y rebelaban en coros melancólicos, los ocho corsarios del rock mestizo universal abordaron la discoteca del parque comercial esgrimiendo un cóctel molotov que fusionaba desde el rock zíngaro al hardcore y el ska, desde el folclore rumano, la taranta orate y las danzas cosacas al spaghetti western.

Y el bis, solicitado por gritos de 'beste bat' y tarareos del 'porompompero', ruló más variado, tuvo su momento culmen con el 'Mala vida' de Mano Negra (cuando la invasión escénica) y caricaturizó a un Nino Rota beodo, pues el bueno de Eugene parecía arrastrar una melopea que no le censuraremos, vive Dios. ¡Salud!

Fuente: El Correo (http://www.elcorreodigital.com/vizcaya/20081215/cultura/porompompero-20081215.html)

OPINIÓN:

Folklore gitano, punk, rock, un ejército de borrachos, desfase total… Son tan grandes y tan freaks que no caben en un escenario. ¿O sí? La osadía y el freakismo muchas veces son sinónimos, sino que se lo cuenten a este combo de gitanos del este, estadounidenses de adopción. Lo de estos freaks de es “agárrate que viene curva”. No sólo su aspecto de travellers castigados por la vida me cautiva, también encuentro de lo más estimulante su mezcla musical de punk, rock y música folklórica gitana. Un cóctel deliciosamente tóxico que nos ha embriagado cosa mala en el magnífico, divertidísimo y disparatado disco Super Taranta!, una marcianada sin parangón que, curiosamente, resultó ser uno de los álbumes más excitantes, sorprendentes y borrachines del 2007. Pero lo mejor de Gogol Bordello, más allá de sus peculiares influencias y su ropero, son sin duda sus enajenados conciertos. Un ejército de gitanos saltando, revolcándose, engullendo botellas de vino como quien se merienda un donut, haciendo cabriolas y poniendo sobre la mesa un nuevo estilo musical que todavía nadie se ha atrevido a emular. Gogol Bordello son una fiesta. Una fiesta gitana. De las de verdad, pero con punk rock de fondo, aunque eso sí: la fogata, el cartón de Don Simón y la rulot destartalada que no falten. De tocar música zíngara en bodas rusas (es cierto, así comenzaron su carrera) a inundar todo un Razzmatazz con una fórmula musical que pone a los Sex Pistols y al gitano de la cabra ante miles de adolescentes. Puro genio.

Fuente: Influecers (http://influencers.es/2008/12/10/gogol-bordello/)

BIOGRAFÍA:

Gogol Bordello es una banda multiétnica de Gypsy punk formada en 1999 y procedente del Lower East Side de Nueva York, cuyos rasgos principales son un sonido inspirado e la música gitana y unos circenses y frenéticos directos. De hecho la revista Rolling Stone los considera uno de los 20 mejores grupos en directo. Los componentes de Gogol Bordello son en su mayoría inmigrantes procedentes de la Europa del Este que realizan música de cabaret, punk y dub utilizando los característicos sonidos de acordeón y violín y, en algunos de sus discos, saxofón.

Gogol Bordello - Start Wearing Purple @ Coachella 2008

En una entrevista para la National Public Radio, el líder Eugene Hütz citó a Jimi Hendrix y Parliament-Funkadelic como influencias musicales del grupo, y a Nikolái Gogol, homenajeado en el nombre de la banda, como una influencia ideológica. Entre sus influencias están también Manu Chao y su Mano Negra, Fugazi, Kalpakov, Rootsman y The Clash. Han sido descritos como si The Clash y The Pogues tuvieran una batalla campal en Europa del Este, de ese polvorín emergería con toda su rabia Gogol Bordello.

Lanzaron su álbum Voi-La Intruder en 1999, y desde entonces han publicado cuatro álbumes, un EP y un álbum en colaboración con Balkan Beat Box. Ese primer disco contenía "Start Wearing Purple" que les dio a conocer el Reino Unido.

Gogol Bordello - Start Wearing Purple

En 2002 editaron Multi Kontra Culti vs. Irony que incluía el que fue su primer single When The Trickster Starts A-Pokin' (Bordello Kind of Guy)"

Gogol Bordello - When the Trickster Starts A-Pokin'

Después de un disco en colaboración con Balkan Beat Box, bajo el nombre de Jewish-Ukrainishe Freundenschaft (J.U.F) proyecto en el que se mezcla dub y electrónica, editan East Infection, un EP en el que incluyen la versión del tema de Mano Negra "Mala Vida"

Gogol Bordello - Mala Vida

La grabación de "Start Wearing Purple" de su primer disco fue regrabada para su disco Gypsy Punks (2005), convirtiéndose en su primer single internacional. “Not a Crime” fue seleccionado como segundo single.

Gogol Bordello - Not a Crime

Hasta ahora el último disco que han editado y que están presentando se denomina Super Taranta! e incluye los singles "Wonderlust King" y "American Wedding"

Gogol Bordello - Wonderlust King

Gogol Bordello - American Wedding

Como curiosidad destacar que el Live Earth de Londres actuaron junto a Madonna, con la que interpretaron "La Isla Bonita".

Madonna feat. Gogol Bordello - La Isla Bonita

Tonino Carotone: ecco il nuovo album

Después de cinco años regresa a la actualidad Tonino Carotone, el autor de uno de las más famosas canciones de los últimos años (en Italia), 'Me cago en el amor' recordada por todos por el verso "è un mondo difficile…", con un disco en el que han participado Manu Chao, Eugene Hutz de Gogol Bordello e Erriquez e Finaz de Bandabardò titulado «Ciao Mortali».

"E' un mondo difficile e vita intensa felicita'
a momenti e futuro incerto il
fuoco e l'acqua con certa calma
serata di vento e nostra piccola vita e nostro
grande cuore."

Cómo definir a TONINO CAROTONE?: Hedonista, parrandero, juerguista, poeta bar y/o pinto..., pero sincero, sencillo y directo: dice lo que piensa y, a menudo, no piensa lo que dice. Amante de sus canciones, sus amigos y sus juergas, no le hace ascos a casi nada... Así es ese personaje, como el bien dice "creemos que somos personas, pero somos personajes.", un crápula italo-romántico fan de Chin-Chan y la canzone napolitana.

Antonio de la Cuesta nació en Burgos, pero ha vivido casi toda su vida en Pamplona (un 80% confiesa). Al principio de los ochenta Toñín fue miembro de una banda pamplonica llamada "Cagando duro", un grupillo que se juntaban para versionear a Los Ramones. Más tarde entra en "Tijuana in Blue", una banda de Punk-rock con algo de hardcore liderados por Eskroto, una banda con álbumes combativos: "A bocajarro" (Oihuka, 88), "!Sopla, Sopla!" (Oihuka), y "Te apellidas fiambre" (Oihuka).

Tijuana in Blue - Donde estás Sherpa?



Después de Tijuana in blue, forma parte de Kojón Prieto y Los Huajolotes, un conjunto de antiguos punkis que militaban en Tijuana y que, tras el viaje iniciático del gavilán (Eskroto en la fase punk) a México, decidió dedicarse en cuerpo y alma a los corridos y a las rancheras. La multitudinaria banda se disolvió con un épico bolo en la Plaza de Toros de Pamplona después de hacer cantar "Insumisión" a media España. Según cuenta Toñin durante un buen tiempo su "trabajo" consistió en que los invitaran a tocar en fiestas, sólo por la comida y la bebida. -hasta que se dieron cuenta de que con lo que comíamos y bebíamos les resultaba más barato pagarnos un cachet. Y así nos hicimos profesionales.- Una banda que, para ser fiel a los estereotipos del personaje, -se separó cuando empezábamos a ganar dinero.-

Kojon Prieto y los Huajolotes - Pequeño saltamontes

Fue en esa época que se dedicó a componer canciones, hoy míticas, como "Carcelero" y uno de los más sonados alegatos antimilitaristas: "Insumisión", -Durante tres años fue prácticamente el himno de las fiestas de San Fermín- dice orgulloso, aunque (y acaso por eso mismo) su éxito absoluto en Euskadi se transformó en un boomerang: lo encarcelaron por insumiso. Estuvo un año preso deambulando por veinte cárceles de toda España.

Tonino Carotone + Arpioni - Insumisión (Directo Sala Apolo BCN)

Meses de encierro que aprovecha para tocar la guitarra y componer más canciones...

Al salir de la cárcel, viaja a Italia donde se empapa del acento y las costumbres. A su regreso se instala en la Barcelona bastarda con muchas ideas para grabar un disco: "mondo dificcile". La especial poesía de Tonino y el pentagrama de Nacho Mastretta, uno de los mejores músicos del panorama actual español, se alían; Manu Chao produce "Me cago en el amor", el primer single de "Mondo Difficile", en su estudio clandestino de Barcelona, tema que llega a ser sintonía de un anuncio de ropa deportiva en Italia, segundos que lo catapultan a la fama.

Tonino Carotone - Me cago en el amor

Viaja a Italia a conocer al cantante napolitano Renato Carosone, quien fuera el símbolo mundial de la "Canzone Napolitana". Carosone, no sólo estuvo de acuerdo con la versión de Tonino, de "Tuo Vuo Fa L´Americano" , sino también colaboró en la grabación...
Los miembros de la banda, todos viejos conocidos con los que comparte esa "sensazione" de vivir con la música como motor de su universo: Piluka Aranguren (Kojón Prieto, Amparanoia), Pablo Novoa (Golpes Bajos, La Marabunta), Ricky Ricardo Moreno (Ronaldos, La Marabunta), Tata Quintana, Pablo Navarro, y el hombre que sueña con notas: Nacho Mastretta.
Su álbum "Mondo Difficile" se ha colado en el mercado italiano gracias a sus cachondos remakes. Su estilo, más propicio para cantinas y bodegones de mala muerte, debió enfrentarse en Italia, al veredicto de estadios para 70 mil personas, tal y como hizo en el verano del 2001 con una orquesta de 50 músicos en la Plaza del Duomo de Milán. "Me cago en el amor" abre a Tonino las puertas de Italia y el resto del mundo, alcanzado el número 19 de las canciones españolas más vendidas en el extranjero, con un poco más de 100 mil copias. El álbum está editado en casi toda Europa, en México, en Argentina y Uruguay.

Tonino Carotone - Pecatore

En 2003 edita "Senza ritorno"su segundo álbum en solitario, que suena a Carotone por los cuatro costados, con un estilo que hace un par de años se hubiera etiquetado como vintage (o sea, retromoderno). Producido por Arturo Soriano, que prolonga el aroma decadente que impregnó Mastretta a "Mondo difficile", y grabado por un puñado de músicos profesionales. Canciones con trozos en inglés, de manera que la letra puede pasar de tener doble significado a tenerlo triple.

Tonino Carotone - La Noria (Directo)

En los últimos años ha tenido una fructifera relación con los italianos Arpioni, que regeneran la canción italiana pasándola por el filtro del ska, con los que no sólo ha colaborado en varios temas de sus discos sino que se ha embarcado en una gira conjunta con ellos.

Arpioni - Malacabeza

Tonino es, en definitiva, ese ser entrañable que te puedes encontrar en cualquier bar a cualquier hora (de la madrugada, principalmente) con su bigote, su sombrero y su leitmotiv: "Tonino Carotone, Tonino Carotone, m'invitas a una birra ti canto una canzone".

Fuente: Radio Chango (http://www.radiochango.com/castellano/artistas/artista.php?ID=3)

Hasta siempre Dragon. Fallece Byron Lee

Esta noticia llega con retraso pero incomprensiblemente la prensa nacional, no se hizo eco de que el pasado 4 de Noviembre falleció el gran Byron Lee, pilar de la música jamaiquina.

En el año 2006 el músico fue diagnosticado con cáncer, y tras una larga lucha falleció en el University Hospital of The West Indies (Miami, Florida).

Bandleader Byron Lee fundó The Dragonaires a mediados de la década del 50. Byron Lee and The Dragonaires cumplieron un rol fundamental en el desarrollo de la música jamaiquina. La banda fue creada por Byron Lee y por su amigo Carl Brady, y se llamo The Dragoniers porque era el nombre de su equipo de fútbol en colegio St. George.

Sus primeros shows fueron en el colegio para festejar la victoria de su equipo. Luego de varios años de tocar en fiestas, cumpleaños y casamientos, Lee decidió pasar al profesionalismo. Para 1956, The Dragonaires era una banda fija en el circuito de hoteles en Jamaica, y hasta fueron backing band de artistas como Harry Belafonte, Chuck Berry, The Drifters y Fats Domino.

En 1959 la banda graba su debut single, “Dumplin´s”, en los estudios WIRL. Estos estudios eran propiedad de Edward Seaga, quien años más tarde se convertiría en primer ministro de Jamaica y manager de la banda. El single se editó bajo el sello de la banda “Dragon´s Breath Label” en Jamaica, y a su vez fue editado bajo el sello “Blue Beat” en el Reino Unido. Lo particular de este single es que fue grabado con un órgano eléctrico y un bajo Fender, que había comprado Lee durante un visita a los Estados Unidos y los cuales eran instrumentos muy inusuales en el isla de aquel momento.

The Dragonaires era un banda principalmente de mento, soca y R&B; pero Lee y Seaga se dieron cuenta que el ska era lo que proveía a Jamaica de una identidad musical y que era el único género que podía romper con la dominación del R&B norteamericano lo que los convirtió a The Dragonaires en una de las bandas de ska más importantes de Jamaica en lo primeros años 60, editando singles como “Fireflies”, “Mash! Mr Lee”, “Joy Ride” y la versión ska de “Over the Rainbow” ambas bajo su nombre y como The Ska Kings. En 1961 fueron seleccionados para tocar en la primer película de James Bond “Dr No” siendo la banda que ameniza las veladas del hotel.

En 1964 fueron seleccionados para viajar a Nueva York y ejercer como backing band de jovene s promesas jamaiquinas como Jimmy Cliff, Prince Buster, y Milly Small. Pero este viaje no fue del todo un éxito con lo que al ver que su fama dentro del ska comenzaba a disminuir, la banda decidió a tomar una nueva dirección, tomando contacto por vez primera en Trinidad y Tobago e incorporando el calypso a su repertorio.

Las excelentes relaciones de Byron Lee con Atlantic Records, no en vano era el distribuidor en Jamaica del sello, le permite editar en Estados Unidos las grabaciones de The Dragonaires, incluyendo dos discos que capitalizaban el interés mundial en sus actuaciones, Jump Up y Jamaican Ska.

A fines de los 60 y principios de los 70, Lee compra los estudios Dynamic (previamente llamados WIRL) a Seaga, y con The Dragoniers edita un serie de álbums destinados en su mayoría a turistas, incluyendo gran cantidad de covers.

En 1974, la banda toca por primera vez en el carnaval de Trinidad y Tobago y en el mismo año editan el álbum “Carnival in Trinidad”. En esos momentos alternan lanzamientos de discos reggae y música de carnaval.

The Dragonaires fueron invitados varias veces a tocar en el festival “Reggae Sunsplash”, la primera vez fue en el año 1978, luego en 1979, 1982 y 1984. Su última aparición en ese festival data de 1990.

Desde 1979, the Dragonairesse concentraron en el calypso y la soca, actuando regularmente en el Carnaval de Trinidad y Tobago y girando por el Caribe y Norteamérica.

Byron Lee and The Dragonaires es una banda legendaria que supo adaptarse musical y comercialmente, además de ser de las más populares, durante casi 5 décadas.

Eric "Monty" Morris backed by Byron Lee & The Dragonaires - Sammy Dead

Byron Lee & The Dragonaires - Jamaica Ska

Byron Lee & The Dragonaires - Tiny Winey

Byron Lee & The Dragonaires - Dollar Wine

Asian Dub Foundation - Confusión Global

Todavía hoy lunes deben andar los miembros de Asian Dub Foundation en Granada recuperándose de la fiesta de cumpleaños de uno de sus miembros. Ya antes de venir habían pedido al promotor que les reservara un local en el que celebrarla la noche del domingo al lunes. Aunque ya la del sábado liaron una buena verbena en una sala El Tren en la que completaron el aforo y no dieron tregua al personal al que pusieron a bailar de principio a fin de su show.

Apenas diez segundos tardó Asian Dub Foundation en desatar la locura en Granada. Steve Chandra Savale, Chandrasonic, líder del grupo, armado sólo con una guitarra y pidiendo disculpas por su español, movilizó con un par de gestos a una sala que incluso antes de comenzar el concierto ya estaba más que entregada a la causa. Y la causa de ADF es hacer bailar sus raíces, tambalear las de Occidente, cantar contra el racismo, la inmigración y todo lo que se ponga a tiro de sus letras.

Por un día la sala se convirtió en uno de esos bulliciosos barrios londinenses donde los turbantes de los inmigrantes indios, bengalíes y pakistaníes predominan sobre los pecosos pelirrojos británicos. Como el de Farringdon, donde hace quince años iniciaron su andadura cuando Aniruddha Das y el dj John Pandir se encontraron con un aún imberbe rapero llamado Deedar Zaman durante unos talleres sobre nuevas tecnologías aplicadas a la música, destinados a los jóvenes de origen asiático y que se impartían en la Community Music House del barrio. En ellos los dos primeros impartían sus enseñanzas y el tercero acudía como alumno cuando decidieron dar forma la proyecto que bautizarían como Asian Dub Foundation, no sin antes cambiar sus nombres por los alias de Dr. Das, Pandit G y Master D, respectivamente. Desde entonces, y tras completar la formación con el guitarrista Chandrasonic, su explosiva mezcla de ritmos bengalíes, electrónica de batalla y militancia urbana, con detalles de rap o de reggae, no ha dejado de cautivar a colectivos de luchadores contra el racismo, miembros de los grupos anti-fascistas y anti-globalización así como hedonistas de la pista de baile en general.

El segundo tema que tocaron se lo dedicaron a la lucha que mantienen los griegos en la calle con 'Take back the power', del disco Tank (2005). Y no fue el único salto al pasado que dieron, 'Chandrasonic' y el resto de la banda: Sun-J, Pandit-G, Ghetto Priest, Prithpal Rajput Cyber, Al Rumjen y Martin Savale. Temas de su imprescindible Community Music (2000) e improvisaciones de los músicos en los descansos del cantante, pusieron de manifiesto que ADF sigue siendo un concepto de música invariable y genuino, fiel a la alquimia de culturas y sonidos, a pesar de los continuos cambios e incorporaciones que la banda ha sufrido en sus filas.
En su propuesta, tan relevante como el aspecto lúdico es el elemento político y reivindicativo, que incorporan a sus hipnóticas composiciones. Una sucesión de ritmos tribales que funcionan como un mantra acelerado en cuya espiral el público acaba poseído y atrapado. La energía fluye desde el escenario hacia la sala y de ésta vuelve a los músicos.

El concierto, enclavado dentro de la gira Punkara que los está llevando por todo Europa con su último disco, ADF sigue recordando a las improvisadas muestras de talento que despiertan los bares más oscuros de barrios londinenses como Brixton. Así, ADF vuelve con maestría a hurgar en las bases del reggae, el rap, la electrónica para revolverlo luego con las melodías más tradicionales de la India con las que crecieron escuchándolas de los discos de sus padres. Sitares dando guerra a pesadas guitarras metaleras, las percusiones de todas las culturas imaginables, coros de voces femeninas con bailes raperos y chándal amplio en un concierto que no llegó a la hora y media marcado por momentos espectaculares como ‘Burning Fence’, su ultimo single, el supercoreado ‘Flyover’ o la demostración final de poderío que representó ‘Fortress Europe’.

Fuente: Granada Hoy (http://www.granadahoy.com/article/ocio/303361/confusion/global.html) y El Diario Montañés (http://www.eldiariomontanes.es/20081213/cultura/musica/alquimia-musical-asian-foundation-20081213.html)

Ed Wood, el encanto del disparate fílmico

Hasta ahora he aportado recortes de música que es lo que casi exclusivamente será reflejado aquí, pero hacemos una excepción con el gran Ed Wood:

TRIGÉSIMO ANIVERSARIO DEL FALLECIMIENTO DEL CINEASTA

• Combatió en la Segunda Guerra Mundial vistiendo leotardos bajo el uniforme
• Lideró una tropa de 'freaks' cuya estrella era un Bela Lugosi decadente
• Se bautizó por el rito bautista para financiar 'Plan 9 del espacio exterior'
• Acabó sus años escribiendo literatura barata y dirigiendo porno

FRAN CASILLAS

Ed Wood estuvo tan cerca de ganar un Oscar como Hitler de alzarse con el Nobel de la Paz. Aclamado popularmente como el peor director de la historia del cine, sus películas deben contemplarse reiteradas veces —y con estoico detenimiento— para asimilar al detalle su ineptitud en todas y cada una de las categorías que definen el séptimo arte.

Entusiasta del despropósito, Wood pergeñó engendros como 'Glen o Glenda' o 'Plan 9 del espacio exterior', aberraciones convertidas en filmes de culto y títulos por los que este miércoles, cuando se cumplen 30 años de su muerte, se añora al entrañable y bizarro cineasta.

Redescubierto para el gran público por el magnífico 'biopic' que Tim Burton le dedicó en 1994, Wood ostentaba una personalidad sin parangón. A los 17 años se enroló en la Marina, escasos meses después del ataque japonés a Pearl Harbor. Los informes de la época desvelan que Wood fue un soldado feroz, un auténtico héroe. En las batallas del Pacífico, Wood se hizo acreedor de numerosas condecoraciones, antes de que una herida de bala en la pierna terminara por dispensarle del servicio.

Afortunadamente para él, su mayor temor jamás llegó a cumplirse. Y es que de haber muerto, los médicos que examinasen su cadáver podrían haber hallado su pequeño secreto: bajo el uniforme castrense, Wood vestía leotardos y un sujetador rojo.

Cartel de la película 'Glen o Glenda'.

Aunque era inequívocamente heterosexual e incluso mujeriego, a Wood le chiflaba la ropa femenina. Desde que su madre, que siempre había querido tener una hija, lo vestía en su infancia con prendas de chica, el cineasta desarrolló esta perversa extravagancia que le causó no pocos contratiempos. Su primera esposa, Norma McCarty, se sintió repugnada cuando en la noche de bodas descubrió la inocente afición de su marido. El matrimonio nunca llegó a consumarse y fue anulado apenas seis meses después.

Este incidente no reprimió a Wood, cuya obsesión por la angora está minuciosamente documentada. Al fin y al cabo, el travestismo sería un tema recurrente a lo largo de toda su obra. Una obra digna de análisis.

Paladín del desastre cinematográfico

Auténtico mesías de la calamidad, Wood escribía guiones esperpénticos, repletos de diálogos pueriles e inverosímiles aunque pretendidamente retóricos. Sus estrafalarios decorados, entre lo gótico y lo 'kitsch', parecían concebidos por un paranoico con superávit de dioptrías. Los efectos especiales nada tenían de especiales, y difícilmente se les puede calificar de efectos. Y las virtudes interpretativas de sus actores... en fin, eso merece capítulo aparte.

En la tropa de Wood figuraban pelagatos como Tor Johnson, un luchador profesional sueco de 180 kilos; Vampira, una presentadora de televisión que acostumbraba a viajar en autobús con su disfraz de chupasangre; o Criswell, un adivino que acertaba menos que Julio Salinas frente al portero. Sin embargo, la estrella en aquella jácara de 'freaks' era una vieja gloria como Bela Lugosi, cuyo éxito interpretando a Drácula se había desvanecido tiempo atrás.

La importancia de llamarse Bela Lugosi

Lugosi era una caricatura de sí mismo cuando conoció a Wood, con el que terminaría trabando amistad. El joven cineasta admiraba profundamente al actor húngaro, y le persuadió para actuar en varias de sus películas, aunque en aquella época las venas de Lugosi eran una orgía de heroína y alcohol. La leyenda negra afirma que en los rodajes disimulaba su adicción con furtivos sorbitos de borgoña.

Ni siquiera la colaboración de un Lugosi venido a menos otorgó relevancia comercial a los filmes de Wood. 'Glen o Glenda', una especie de relato apologético del travestismo, fue un sonoro fracaso en taquilla, y el primer indicio de las nefandas aptitudes de Wood como director.

Póster promocional de 'La novia del monstruo'.

Siempre esclavizado por la falta de presupuesto, Wood era capaz de rodar cada día una treintena de escenas, pasando por alto las flagrantes torpezas que se cometían ante la cámara con tal de no frenar su vertiginoso ritmo de trabajo.

El resultado, ver para creer, eran secuencias que se repetían hasta la saciedad, innumerables planos de recurso incrustados con arbitrariedad alevosa, coches cuyo modelo cambiaba durante una persecución...

Financiación de la Iglesia Bautista

Era sorprendente que Wood no creara películas tan patéticas a propósito. Pero lo realmente increíble es que pudiese llevar a cabo sus proyectos. Aunque también en eso hay historia. Durante una fase aguda de sus crónicos problemas de liquidez, Wood se enteró de que la Iglesia Bautista a la que pertenecía su casero estaba interesada en producir una docena de películas sobre los apóstoles. El inefable Eddie les convenció de que financiasen 'Plan 9 del espacio exterior', un título de ciencia-ficción llamado a generar suficientes beneficios como para luego sufragar la saga apostólica.

Todos los miembros del equipo de Wood se convirtieron y fueron bautizados por el rito bautista, pero ni aun así fueron escuchadas sus plegarias. El filme fue un rotundo fracaso. 'Plan 9' es quizá la película más emblemática de Wood, donde todos los rasgos de su minuciosa herejía cinematográfica quedan grotescamente revelados.

¿Y qué si se ven los cables que sujetan los toscos platillos volantes? ¿Cuál es el problema porque un actor se cargue el atrezo? ¿Importa si el sol y la luna aparecen caprichosa y alternativamente en una misma escena? Nada detenía a un Ed Wood que se guardaba una réplica maestra para los escépticos que osaban comentar sus fallos. ¿Acaso no han oído hablar de la "suspensión de la incredulidad"?

'Plan 9' es también un icono por ser la última película de Bela Lugosi. En realidad, el actor había muerto antes de que comenzase el rodaje, pero Wood conservaba algunas imágenes suyas que había grabado para un proyecto anterior que nunca prosperó. Aunque con calzador, aquellas secuencias entraron en 'Plan 9', y fueron completadas con otras escenas en las que Lugosi era doblado —con una capa ocultando su rostro— por el quiropráctico de Kathy O'Hara, la segunda esposa de Wood. Enorme.

'Plan 9 del espacio exterior', una obra maestra... a su manera.

Fue un sucedáneo de homenaje a un Lugosi que murió solo, en el más desolador de los olvidos y tan arruinado que Frank Sinatra pagó discretamente su funeral.

Y aún no había tocado fondo

Después de esta —ejem— cumbre artística, Wood entró en una espiral de alcoholismo. Dirigió varias películas porno bajo seudónimo y más tarde probaría fortuna en la literatura 'pulp', entregándose al género erótico-criminal con títulos tan sugerentes como 'La drag asesina' o 'Muerte de un travesti'. Pero tampoco con las letras lograría reflotar su cuenta corriente, y pocos días antes de su muerte, Wood y Kathy fueron desahuciados.

Borracho incorregible, Ed Wood falleció sin un centavo en casa de un amigo, viendo un partido de fútbol americano. 'Variety', una suerte de boletín oficial de Hollywood, no se molestó en publicar su obituario. Y eso que, como suele decirse, un hombre que había dedicado tanto esfuerzo y pasión a una actividad improductiva era merecedor de que se le tomara en serio. Kathy, por ejemplo, jamás volvió a casarse con otro hombre.

Como a Van Gogh o Kennedy Toole, el reconocimiento le llegó a Ed Wood cuando ya era demasiado tarde. En su caso, quizá por suerte para él, pues su fama es debida a su estatus oficioso como peor director de todos los tiempos. Su incoherente narrativa fílmica y su dirección sacrílega lograron que Ed Wood fuese espectacularmente ignorado en vida, pero le garantizaron un lugar privilegiado en el panteón de los héroes de la serie B.

Sin sospecharlo, Wood ha dejado un importante legado, que incluye una religión llamada 'Woodismo' (sí, en serio) y una legión de fans que incluso propiciarán el 'remake' de 'Plan 9' en 2009, cuando se cumplen 50 años del estreno de la película.

Quién sabe, quizá después de todo Wood fuese un incomprendido. Como afirmaba el personaje de Bela Lugosi en 'La novia del monstruo': "A uno siempre se le considera loco cuando perfecciona lo que otros ni siquiera pueden comprender".

Fuente: El Mundo (http://www.elmundo.es/elmundo/2008/12/09/cultura/1228831800.html)

Tabletom sigue vivito y soñando

El mítico grupo malagueño presenta en Málaga su último trabajo, 'Sigamos en las nubes'



Seis años y medio han tenido que pasar para que Tabletom amase y hornee un nuevo trabajo. Es el tiempo que ha pasado desde que se editara 7.000 kilos. En 'Sigamos en las nubes', Rockberto, sin dejar de estar ahí, cede protagonismo a los hermanos Ramírez (Perico y Pepillo), dando cuenta de su alta cualificación musical en jazz, rock y música clásica. También toman protagonismo las letras del poeta Juan Miguel González, al que se puede considerar el cuarto miembro de este mítico grupo formado en los años 70.

En 2004, salió al mercado un recopilatorio de lo mejor de su carrera que anticipaba la celebración en 2006 de sus 30 años de sólida trayectoria sobre los escenarios, el medio natural de este grupo y donde mejor se puede apreciar la sutileza canalla de sus letras y la honda conexión que establecen con el variopinto público que les sigue.

En ese tiempo, seis discos: Mezclalina (1978), Inoxidable (1992), Vivitos... y coleando (1996), La parte chunga (1998), 7000 kilos (2002) y Lo peor de Tabletom (2004). La banda nunca ha tenido lo que se llama un tema entre los 10 primeros de la radiofórmula. De hecho, la canción que más derechos de autor les ha generado fue Me estoy quitando, un homenaje a Camarón y todo un himno en Málaga, canción que fue conocida gracias a la versión que explotó Extremoduro.
Eso sí, en su ciudad son una institución que ha podido disfrutar varias generaciones. Rockberto es el alma de Tabletom, amante de los juegos de palabras, letrista inspirado y un cantante imposible. Perico Ramírez es el guitarra y compositor de la mayoría de los temas, virtuoso y amante de las seis cuerdas y alterna el rock de Tabletom con la música clásica, la cual ejecuta con otras formaciones. Su hermano Pepillo, es la flauta de oro de la fusión española. Tocó muchas veces con Camarón, Kilo Veneno y Pata Negra y junto con su hermano también es profesor en el Conservatorio de Málaga.

El nuevo trabajo esta formación que mañana sale a la venta. Sin perder la esencia que siempre ha caracterizado el sonido de Tabletom, los diez nuevos temas que conforman este disco, muestran la evolución hacia la que camina la banda.

En ´Sigamos en las nubes´ han colaborado numerosos músicos, como Los Delinqüentes; Pepe Bao, bajista de Ofunkillo; Tony Romero, de Chambao, y los guitarrista Ramoné y Jose Marín, entre otros. Además, en esta nueva entrega, la voz de Rockberto ha cedido parte de su protagonismo a la de los hermanos Ramírez. "Teníamos ganas de las canciones sonasen cantadas de otra manera, ya que pensamos que Tabletom es más de lo que hemos hecho hasta ahora. De todas formas, Roberto está presente en todas ellas", declara el guitarrista Perico.

Paseando por el disco, que ha sido grabado en el estudio malagueño Artesonao, los seguidores de Tabletom se encontrarán con la fuerza del funk-rock de ´Sigamos en las nubes´; con los guiños de blues-jazz a lo Miles Davis del ´Blues del Ozono´ y con el rock progresivo con aries de bulería de ´Mimosas y Acacias´, tema que recuerda a los sonidos de ´Mezclalina´, el primer trabajo de la banda, editado en 1978. "Estas canciones demuestran que Tabletom es un grupo que siempre se renueva y que sigue, a pesar de los treinta años que llevamos en ello, evolucionando. Quizás aquí tiramos un poco más por lo jazzístico, como creo que hacen la mayoría de músicos que comienzan con el rock y el blues, porque el jazz es más completo a nivel de armonías", asegura Perico.

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/andalucia/Tabletom/sigue/vivito/sonando/elpepuespand/20081209elpand_19/Tes) y La Opinión de Málaga (http://www.laopiniondemalaga.es/secciones/noticia.jsp?pRef=2008120900_11_222831__Luces-de-Malaga-Tabletom-regresa-tras-seis-discoSigamos-nubes)

Tabletom descubre la calma

El grupo malagueño con más historia presentó ayer su nuevo disco, 'Sigamos en las nubes' (360º / Kankana, 2008), una obra producida y editada por ellos mismos en la que se muestran más maduros

"A mí sí me gusta, me gusta bastante", dice Rockberto de Sigamos en las nubes (360º / Kankana, 2008), el nuevo disco de Tabletom, que ayer presentó la banda al completo en la tienda Fnac de Málaga, cuyo pequeño recinto se vio desbordado de aficionados expectantes. Es normal, han pasado seis años y medio desde la anterior grabación del que quizá sea el grupo de rock malagueño más querido. Si 7.000 kilos (Nuevos Medios) fue otra ración de guitarras y dureza, esto que traen ahora es distinto. "No es tan rockero, ha ido saliendo más suave", advierte el vocalista, toda una institución de la ciudad.

No cabía nadie más en la sala, y se notaba que había ganas de Tabletom. Muchas melenas, bastantes con canas, es lo que había allí. Rockberto, tranquilo y afable, atiende como un niño en su cumpleaños: "Siempre un nuevo disco es como si fuese el primero, nunca sabes cómo va a funcionar. Hace mucha ilusión". Habla pegado al escenario, el mismo en el que minutos antes se probó sonido para el concierto sin estar él; el cantante se reserva para los momentos de verdad.

Sigamos en las nubes se puso ayer a la venta y el concierto sirvió de tarjeta de presentación. Algunas cosas han cambiado para Tabletom en los últimos años. Si en 2004 repasaron su carrera con el recopilatorio Lo más peor de Tabletom, lo que tocaba era iniciar una etapa distinta. El pasado mes de febrero publicaron su primer DVD, Tabletom. 30 años de rock -recoge una actuación en directo en la Sal Vivero, con invitados y su viejo repertorio-, y en diciembre ha sido el momento de mostrar canciones frescas, aunque más maduras, tal y como reconoce Rockberto: "Sí, y cantan más los demás. Y sonamos más acústicos, más clásicos".

La nueva etapa de Tabletom surge desde la independencia total, desde la autoedición. Los hermanos Ramírez han producido las canciones y lo han hecho como han querido y con sus amigos: Los Delinqüentes, Ramoné (guitarra de Kiko Veneno) y Pepe Bao (bajo de Raimundo Amador), entre otros. Las sesiones de grabación las tuvieron cerca de casa, en el estudio Artesonao, en plenos Montes de Málaga.

Aunque los textos tienen mucho del poeta Juan Miguel González, Rockberto sigue siendo el alma de la banda: "Yo soy el loco, un promotor de la locura inmaculada. Eso sí, menos que antaño y más que mañana".

Fuente: Málaga Hoy (http://www.malagahoy.es/article/ocio/299628/tabletom/descubre/la/calma.html)

ToteKing se "renueva" en su nuevo disco, 'T.O.T.E'

El rapero sevillano ToteKing publica el próximo 26 de noviembre su tercer disco en solitario, 'T.O.T.E', un álbum para el que se ha rodeado de productores de renombre internacional que le dieran una nueva perspectiva al hip-hop que ha hecho hasta ahora. "Me he renovado", explica el MC sobre un disco que brilla por sus ritmos y en el que ha aparcado la crítica social que caracterizó algunos de los temas de su anterior álbum, 'Un tipo cualquiera' (2006). "Ya no me apetece quejarme", explica ToteKing, que se embarcará en la gira de presentación del disco a partir de febrero de 2009.

'T.O.T.E' se presenta, bajo el sello de la productora BOA, el próximo día 26, después de dos años "muy intensos" para ToteKing y en los que admite sin disimulo que ha ganado "mucho dinero" gracias a su segundo álbum, 'Un tipo cualquiera' (2006) elegido por la revista 'Rolling Stone' como el segundo disco de ese año. El MC sevillano ha pasado todo este tiempo sumergido en giras y conciertos -algunos de ellos acompañado de una banda de música- "salvando vacaciones y meses más flojos", pero sin dejar de escribir, lo que ha derivado en un disco con una temática diferente al anterior.

"Me he dedicado a escribir desde un punto de vista más rapero, hablando de mí, de la música, de cosas más sencillas. No he tenido tiempo de reflexionar. Ni he tenido tiempo, ni me siento con esa fuerza que tenía antes", explica ToteKing durante una entrevista con otr/press, en la que señala que mientras que a la hora de escribir temas como 'Progres' o 'Ni de ellos ni de ellas' -de su anterior disco- tenía "estímulos" para ello, en los dos últimos años ha pasado "más tiempo con música que sin ella". "He intentado escribir algunos temas críticos, pero no he podido forzar la máquina", reconoce.

"Digamos que de 2004 a 2006 tenía mucho más tiempo para informarme, para leer, para reflexionar y estaba en una etapa en la que me sentía decepcionado, desesperanzado, desencantado con las cosas que veía", señala el MC sevillano, que, en cualquier caso, defiende la necesidad de que "el fondo no sacrifique la forma". "No puedes someter el arte a un programa social, porque para eso están los panfletos" y porque "como decía Harold Bloom, en el momento en que sometes el arte a un programa deja de serlo". Además, añade, "veo cansino quejarme, ya no me apetece, cuando me apetezca, lo haré".


UN NUEVO SONIDO

En el plano instrumental, 'T.O.T.E' es todo un recorrido por sonidos internacionales del rap que han favorecido que el MC sevillano, que explica que "siempre" espera que un ritmo le "sugiera" sus letras, haya "rapeado ideas que veo nuevas en mí". Al mismo tiempo, la música que ha escuchado ToteKing en estos dos últimos años también ha cambiado, evolucionando a un hip-hop con "musicalidad". "Antes estaba en una dinámica de rap más agresivo y duro y con el tiempo he empezado a disfrutar de ritmos más suaves y arriesgados, más modernos también", señala, mencionando a Lupe Fiasco, Kanye West, Neptune o Farrell Williams.

"En este disco no hay ni un solo productor con el que haya trabajado antes", señala Toteking, destacando que la mayoría de ritmos de los 17 temas que componen el disco son obra de extranjeros, como el australiano M-Phazes, o los estadounidenses Dame Taylor, Auditory Beats u Oh No. "He rapeado con ritmos que nunca había usado, me he renovado, ahora me interesa fluir de otras maneras", afirma el MC sevillano, que aún así, ha contado con nombres nacionales como los de Metodos Shintaro o Equisman, entre otros. En el plano de las colaboraciones: Lírico de Violadores del Verso, Titó de Falsalarma, Chico Ocaña de Mártires del Compás y, como no, su hermano Shotta, así como Ego de Zero Positivo, Quiroga y Juaninacka.

Fuente: Europa Press (http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-toteking-renueva-nuevo-disco-tote-ya-no-me-apetece-quejarme-20081122163019.html)

Tote King - Ahora vivo de esto

Tote lo pone difícil

Tercer disparo, tercera diana. 'T.O.T.E.', por si hacía falta, confirma al MC sevillano como evidente punto y aparte

Si en su anterior y celebrada entrega, Un tipo cualquiera (2006), ToteKing optó por trabajar con un solo productor, Big Hozone, en su nuevo y tercer álbum, como ya anunció en su día desde estas mismas páginas, vuelve a la táctica de desplegar un amplio catálogo de bien escogidas colaboraciones tanto de dentro como, atención, fuera del país (en ocasiones, como él mismo comentó, rastreadas a través de MySpace).

La escucha de T.O.T.E. confirma que la intuición no le ha fallado: rodeado por un imponente equipo de productores, el MC sevillano sale disparado como un cohete en cada uno de los 17 cortes de un álbum que -vaya, otra vez- se sitúa a años luz del común de la producción de rap nacional.

Si en los discos previos esa cualidad de adelantado correspondía en buena medida a la capacidad textual de Manuel González y a la naturalidad de su flow, en ésta, además, son esas producciones las que cobran un protagonismo evidente poniendo distancia entre Tote y el resto. Por decirlo pronto y rápido: nunca antes se había hecho en España un disco de rap así.

Pruebas de ello hay varias en T.O.T.E., aunque la primera quizás sea Todo lo que quiero, corte construido sobre una esplendorosa base de Cookin Soul en la que espirales sonoras de ascendentes arábigos y ráfagas y beats con ADN electro se convierten en el contenedor sobre el que el MC vierte su torrencial speech (el mismo tándem repite, con la aparición de Lírico, en la exuberante No sonrío pero todo está bien).

Igualmente imaginativas resultan Rebelde por defecto, con Juaninacka (uno de los varios cortes producidos por el australiano M-Phazes); la sorprendente El tendedero, con el ex Mártires del Compás Chico Ocaña, el más feliz encuentro entre flamenco y rap desde el Retorno al principio de Sólo Los Solo (producido por Oh No); Demasiado pesado, contundente declaración de principios con sample de Hendrix incluido (producido por Método Shintaro); la divertida Ven, con su hermano Shotta y un cierto aire Gnarls Barkley (otra vez con Cookin Soul a los mandos); y el sencillo Ahora vivo de esto (producido por Dametaylor).

Son todos ellos, y se podría decir del disco entero, cortes que esquivan la previsión proponiendo una escucha de largo recorrido y que constatan -al igual que sus experimentos con banda real o esa anunciada reunión de La Alta Escuela- que la bien amueblada cabeza de Tote sigue en plena ebullición. Difícil se lo pone a los demás.

Fuente: Diario de Sevilla (http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/295313/tote/lo/pone/dificil.html)

Amadou & Mariam te dan la bienvenida a Mali

En su nuevo álbum, “Welcome to Mali”, colaboran Damon Albarn, Keziah Jones, Tiken Jah Fakoly, Toumani Diabaté y K’Naan.

Tras haber vendido en el mundo más de 500.000 copias de su anterior disco, “Dimanche à Bamako”, la pareja de Malí Amadou & Mariam vuelve a los escenarios para presentar en directo los temas de su nuevo álbum, “Welcome to Mali”, que se publicará en España el próximo 25 de noviembre.

“Welcome to Mali”, grabado durante el último año entre Bamako, Dakar, París y Londres, ha sido producido por Marc-Antoine Moreau y Laurent Jaïs, quienes ya trabajaron junto a Manu Chao en “Dimanche à Bamako”.

Este nuevo disco cuenta con numerosas colaboraciones de artistas invitados, fruto de los encuentros surgidos a lo largo de los tres años que duró su última gira mundial: Keziah Jones, Tiken Jah Fakoly, Toumani Diabaté o el rapero canadiense de orígen somalí K’Naan.

También está presente Damon Albarn (Blur, Gorillaz), que participa como productor invitado y músico en el primer single, “Sabali”.

En “Welcome to Mali”, Amadou & Mariam expanden sus horizontes sin abandonar su sonido original, protagonizado por melodías pegadizas, ritmos funky, la guitarra blues de Amadou, y los juegos de dos voces en total compenetración.

Fuente: Zona Musical (http://zm.nu/detalle.php?base=zmnews&lay=cgi&form=detalle&tok4=notici&tok5=Noticias&id=19223)

Opinión:

Amadou y Mariam son realmente una celebridad en el África subsahariana, cualquier vendedor ambulante de casetes africano puede corroborar esta afirmación. Los conozco desde mis primeros viajes que hice por allá hace más de dos décadas, todavía conservo algunas de sus cintas que serán objeto de culto en algún museo dentro de poco.

Unieron sus vidas “gracias” a la ceguera que padecen en el Instituto para jóvenes ciegos de Mali. Desde entonces han fusionado los ritmos tradicionales de su cultura con los de otras. Siempre me sorprendieron los toques eléctricos de la guitarra de Amadou y la utilización de instrumentos ajenos a los acostumbrados por los griôts de la zona, como violines, flautas, metales, etc.

Esta multiculturalidad de su música no ha pasado desapercibida para algunos popes musicales occidentales. Manu Chao fue el primero, al que se le puede discutir la calidad de su música, pero en absoluto su olfato empresarial. A partir de su coproducción en Dimanche a Bamako, anterior trabajo del dúo, la fama ha acompañado a la pareja en occidente también.

Damon Albarn, líder del grupo de britpop Blur, es el nuevo mecenas hechizado con su música. Produce el tema que abre su nuevo CD Welcome to Mali, titulado Sabali. Los temas que le siguen no decepcionan en absoluto. Sonidos con las raíces en los ritmos percutivos del mbalax y el blues africano se proyectan sobre una cascada multicolor de guitarras y sintetizadores. Las voces de Mariam y Amadou, esta vez voy a cambiar el orden, completan un bello paisaje del mundo mestizo.

Por si no fuera suficiente con la solidez musical que ofrece el disco, el presupuesto del que ha dispuesto ha proporcionado brillantes colaboraciones que lo hacen más atractivo si cabe. Nombres como el somalí K'Naan, el bajista nigeriano Keziah Jones, el virtuoso de la Kora Toumani Diabate o el cantante Tiken Jah Fakoly aparecen en diferentes canciones dignas de ser descubiertas sin el prejuicio de una opinión. Así que mejor me callo.

Crisol de Músicas (http://www.crisoldemusicas.com/2008/11/amadou-mariam-welcome-to-mali.html)

Amadou et Mariam - Sabali

Ficha Técnica:

Artista: Amadou & Mariam

Año de publicación: 2008

Discográfica: Because Music

Track list:

1. Sabali (Produced By Damon Albarn)
2. Ce N'est Pas Bon (With Participation Of Damon Albarn)
3. MAGOSA
4. Djama
5. Djuru
6. Je Te Kiffe (Feat. Juan Rozoff)
7. Masiteladi (Produced By And Feat. `M')
8. Africa (Feat. K'Naan)
9. Compagnon De La Vie
10. Unissons Nous (Feat. Keziah Jones)
11. Bozos
12. I Follow You
13. Welcome To Mali
14. Batoma
15. Sebeke
16. Boula (Hidden Track)

Amadou et Mariam - Ce N'est Pas Bon y Magosa (Live in BBC)

Biografía:

Amadou y Mariam es un dúo musical proveniente de Mali, compuesto por Mariam Doumbia (voz, nacida en Bamako, 15 de abril de 1958) y Amadou Bagayoko (guitarra y voz, nacido en Bamako, el 24 de octubre de 1954). La pareja se conoció en el Instituto para jóvenes ciegos de Mali.

El duo se especializa en una música que mezcla los ritmos tradicionales de su patria con guitarras eléctricas, violines de Siria, trompetas cubanas, ney egipcios, trombones colombianos, tablas indias y percusión Dogon, dando forma a un estilo conocido como «afro-blues».

Entre 1974 y 1980, Amadou fue parte del grupo Les Ambassadeurs du Hotel. En este último año, la pareja contrajo matrimonio y comenzó a desempeñarse en el ámbito musical mientras Amadou continuó con su exitosa carrera solista y dirigió los programas musicales del instituto de ciegos.

En 1985, la pareja ya había alcanzado reconocimiento internacional por su interpretación de blues malienses tras una gira a Burkina Faso. Al año siguiente, se mudaron a Costa de Marfil, donde grabaron diversos álbumes antes de viajar a París donde grabaron Sou Ni Tile, que se volvió un éxito en Francia expandiendo la popularidad del grupo a lo largo de Europa.

En 2003, se contactaron con la estrella musical Manu Chao, que produjo su disco Dimanche à Bamako (Domingo en Bamako). En 2006, participaron en la grabación de Celebrate the day, el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2006 junto a Herbert Grönemeyer.

Se Te Djon Ye (1999)
Sou Ni Tile (1999)
Tjé Ni Mousso (2000)
Wati (2003)
Dimanche à Bamako (2005)
Je pense à toi: Best of (2005)
Voices from the FIFA World Cup (2006)
Welcome to Mali (2008)

Amadou et Mariam - Senegal Fast Food (ft. Manu Chao)



Amadou et Mariam - Je pense a toi

The Skatalites, los creadores del Ska

Aprovechando la visita a Granada de los auténticos persursores del ska, The Skatalites os presentamos su biografía y algunos videos con sus temas mas clásicos.

The Skatalites

Hablar de este grupo es sin lugar a dudas hablar del comienzo de la música jamaiquina moderna. Luego de la independencia de la pequeña isla caribeña en 1962, un ritmo se apropió de la efervescencia producida por tan importante acontecimiento: el Ska, esta mezcla de Rhythm & Blues, Mento, Jazz y música Afro Cubana, fue el emblema de la nueva nación que dejaba de ser parte del imperio británico para comenzar su propia historia.
Si bien a finales de los años cincuenta ya se habían empezado a realizar grabaciones con artistas locales como Prince Buster, Derrick Morgan, Owen Grey, Jimmy Cliff y Laurel Aitken, éstas parecían copias jamaiquinas de las que producían artistas norteamericanos como, Fats Domino, Profesor Longhair, B.B. King, Louis Jordan y Smiley Lewis, y no fue hasta que un grupo de los mejores músicos de sesión, bajo el nombre de The Skatalites, lograron emancipar definitivamente a este género, que el mundo comenzó a prestarle atención a la música jamaiquina.
La clave fue sin lugar a dudas la nueva concepción rítmica utilizada en la interpretación de la música, ésta provenía de una formación académica procedente de Alpha Boys School, un orfanato donde se les enseñaba música a sus pupilos, y en gran medida de las sesiones de improvisación que dirigía el percusionista rasta Count Ossie en Wareika Hill cerca de Kingston. Este estilo aún continúa vigente en la música moderna de Jamaica, y fue el propulsor de otros géneros que se popularizaron mundialmente como el Reggae, Dub, Rocksteady, Drum´nBass, Acid jazz y mucha de la música electrónica actual.

Se considera a The Skatalites como la 'banda madre' de la que salieron todas las demás, ya que varios de sus integrantes fueron los que concibieron lo que hoy conocemos como Reggae. El grupo se mantuvo activo desde mediados de 1964 hasta diciembre de 1965, trabajando para los productores más famosos de la isla como, Coxsone, Duke Reid, Justin Yap, King Edwards, Prince Buster, Randys, Lindon Pottinger ó Leslie Kong, siendo la banda de sesión con la que grababan artistas como Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailer, Toots & The Maytals, Ken Boothe, Stranger Cole, Justin Hinds, Derrick Morgan, Prince Buster, Jackie Opel, Lord Tanamo, Doreen Shaffer, Alton Ellis, Gaylads, Ken Boothe, Eric 'Monty' Morris, Lord Creator, Lee Perry, Delroy Wilson, Joe Higgs, entre muchísimos otros.

Cabe destacar que muchos de los éxitos con los que Bob Marley conquistó el mundo como 'One Love', 'Put it On' ó 'Simmer Down', fueron escuchados por primera vez de la mano de The Skatalites, quienes acompañaron a este cantante en no menos de 150 grabaciones en el primer período del grupo de Wailing Wailers (Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer).

También hay que subrayar la gran cantidad de éxitos instrumentales que tuvo la banda, (entre las que encontraremos muchas de las 300 composiciones de Drummond) como, 'Occupation', 'Man in the Street' (llegando al Top 10 en U.K.), 'Eastern Standard Time', 'Reburial', 'Confucious', 'Freedom Sounds', 'Guns of Navarone' (también Top 10 en U.K.), 'Ska Town', 'Lee Oswald', 'Addis Ababa', 'Smilling', 'Nimble Foot', 'Black Sunday', que son considerados los clásicos más importantes del género y no han dejado de sonar desde que fueron grabados hace más de cuarenta años.

El combo estaba integrado por Tommy McCook (O.D) y Roland Alphonso (O.D) en saxo tenor, Lester Sterling (O.D) en saxo alto, Johnny Moore en trompeta, Don Drummond en trombón, Jah Jerry en guitarra, Jackie Mittoo en piano, Lloyd Brevette (O.D) en contrabajo y Lloyd Knibb (O.D) en batería, con tres cantantes Jackie Opel, Lord Tanamo y Doreen Shaffer.

Luego de la disolución del grupo, sus integrantes continuaron motorizando las producciones musicales de la mayoría de los sellos jamaiquinos, sus miembros trabajaron como sesionistas con todos y cada uno de los grandes artistas de Jamaica.

A mediados de los 70´s, el grupo se reúne por primera vez desde la primera separación, ya sin Don Drummond, (fallecido), junto a otras luminarias del momento como Ernest Ranglin, Augustus Pablo, Leroy 'Horsemouth' Wallace y Ras Michael para la producción del disco 'African Roots', un disco de Reggae netamente instrumental que tiene increíbles versiones Dub (editadas en otro LP), realizadas por el padre de este género King Tubby.

A esta reunión del grupo le seguirán dos más, una para realizar una presentación en el festival Sunsplash ´83, (que dejó un disco en vivo más otro en estudio editado recientemente con el nombre de 'Rolling Steady') y al año siguiente participar en la edición londinense de este festival, con lo que obtendrían un contrato con Island Records para grabar el apacible y refinado 'The Return of the Big Guns' (1984) realizado en varios estudios de Jamaica, con la producción de Geoffrey Chung.
Luego de esta reunión, la banda regresa a los escenarios en 1986 para acompañar a Bunny Wailer en un tour por U.S.A. que sería el detonante para la reunión definitiva del grupo, ya que fué más viable realizar presentaciones con la mayoría de sus integrantes radicados en Estados Unidos y Canadá.

En 1989, el grupo realiza su primera presentación en Japón, de la que encontraremos testimonio en el disco 'SkaGrovee in Japan', que contiene una de las últimas presentaciones de la banda con su tecladista Jackie Mittoo, quien deja este mundo ese mismo año, con este suceso el Reggae perdió a uno de sus más prolíficos compositores, ya que Mittoo es el autor de la mayoría de los 'riddims' que nutrieron la música jamaiquina en los últimos 40 años.

En 1993 el sello Shanachie convoca al grupo para realizar 'Skavoovee' (editado en Japón como 'McCooke's Book'), un trabajo que recibe una excelente aceptación del público, permitiendoles realizar con éxito su primer tour europeo, a este disco lo seguirán dos más junto a Shanachie, 'Hi-Bop Ska' (1994) y 'Greetings from Skamania' (1996), ambos fueron nominados al Grammy a mejor disco de Reggae, dándoles un reconocimiento importante a nivel mundial. Sus álbumes posteriores, 'Ball of Fire' (1997) 'Bashaka' (2000) y 'From Paris with Love' (2002) lograron superar satisfactoriamente la partida de sus dos saxofonistas Tommy McCook (05/05) y Roland Alphonso* (17/11), quienes desaparecen físicamente en 1998.

La última grabación del grupo acompañando a Toots & the Maytals en el disco 'True Love', que incluía artistas invitados de la talla de Keith Richards, Jeff Beck, Eric Clapton, Willie Nelson, Shaggy, U Roy, Bootsy Collins y No Doubt, siendo ganador del Grammy 2004 en la categoría mejor disco de Reggae, una muestra cabal del gran reconocimiento artístico del que es depositario Toots Hibbert.

Luego de la edición de 'Skatalites in Orbit vol 1', en Argentina y Alemania, el grupo volvió al estudio para la producción de 'On the Right Track' (grabado y editado en Australia a travez de AIM Records en 2007), un excelente CD que contiene material nuevo de Skatalites quienes no pierden ni un gramo de frescura en este tan esperado proyecto, incursionando en el Ska, Rocksteady, Reggae y Dub con gran soltura.

Desde su última reunión en los años 80´s hasta hoy en día The Skatalites no ha abandonado los principales escenarios del mundo haciendo una ó dos giras al año por Europa y U.S.A., tocando en Japón, Venezuela, Jamaica, Rusia, México, Canadá, y cada lugar donde se escuche su música, y puedan estremecer el corazón de sus fans.

La banda que se presentará en Argentina incluye a varios 'suplentes' de gran trayectoria dentro de la música jamaiquina como, el bajista Val Douglas, quien ya tuvo otras apariciones junto a la banda en el pasado, además de haber tocado junto a figuras de renombre como Bob Marley('So Much Trouble in the World', 'Top Ranking', Ride Natty Ride'), Pablo Moses, Peter Tosh, The Congos, Beres Hammond, Augustus Pablo, Aswad, Ernest Ranglin, Lee Perry, King Tubby, Abyssinians, Meditations y el guitarrista Eric Gale. También Vin 'Don Drummond Jr.' Gordon en el trombón es indiscutiblemente uno de los pilares del sonido Reggae, ha grabado prácticamente en todas las producciones musicales de la isla en el período 1965/79, considerada la era dorada del género, para sellos como Studio One, Tresure Isle, Joe Gibbs, Channel One, Island, Black Ark, etc.

En el saxo tenor encontramos a Carl Brian, un concurrente habitual a las sesiones del grupo en su primer período, que atesora una formación musical del mismo origen que los miembros originales, podemos apreciar su saxo claramente en el memorable solo que interpretó en el exito 'Simmer Down' de The Wailers en 1964. Kevin Bathchelor, es el encargado de la trompeta y ha sido uno de los sesionistas más solicitados de los últimos años, trabajando junto a Steel Pulse, Sugar Minott, Dennis Brown y al cantante de Soul Maxwell.

Cabe destacar que la mayoría de estos músicos son prácticamente parte del The Skatalites, tomando el lugar de los miembros originales que fallecieron ó se retiraron de la música, desde mucho antes de acompañarlos en las giras, participando incluso en varios discos del grupo.

Los tres miembros originales que continúan luego de 40 años son el baterista Lloyd Knibb, verdadero sello distintivo de la banda, el saxo alto Lester Sterling, que fue uno de los primeros músicos en tocar en vivo sobre pistas en los Sound Systems de Kingston hace casi cincuenta años y la dulce Doreen Shaffer conocida como 'the Queen of Ska'.

(OD) = 'Order of Distinction' es el segundo premio más importante otorgado por el gobierno de Jamaica a sus ciudadanos.
*= Roland Alphonso tuvo un ataque durante un show junto a Skatalites en California y murió unos días después en un hospital.

LATIN GOES SKA (1984)

FREEDOM SOUND (1992)

GUNS OF NAVARONE (2003)

PHOENIX CITY (2007)

Fuente : http://martincueto.blogspot.com