The Skatalites, los creadores del Ska

Aprovechando la visita a Granada de los auténticos persursores del ska, The Skatalites os presentamos su biografía y algunos videos con sus temas mas clásicos.

The Skatalites

Hablar de este grupo es sin lugar a dudas hablar del comienzo de la música jamaiquina moderna. Luego de la independencia de la pequeña isla caribeña en 1962, un ritmo se apropió de la efervescencia producida por tan importante acontecimiento: el Ska, esta mezcla de Rhythm & Blues, Mento, Jazz y música Afro Cubana, fue el emblema de la nueva nación que dejaba de ser parte del imperio británico para comenzar su propia historia.
Si bien a finales de los años cincuenta ya se habían empezado a realizar grabaciones con artistas locales como Prince Buster, Derrick Morgan, Owen Grey, Jimmy Cliff y Laurel Aitken, éstas parecían copias jamaiquinas de las que producían artistas norteamericanos como, Fats Domino, Profesor Longhair, B.B. King, Louis Jordan y Smiley Lewis, y no fue hasta que un grupo de los mejores músicos de sesión, bajo el nombre de The Skatalites, lograron emancipar definitivamente a este género, que el mundo comenzó a prestarle atención a la música jamaiquina.
La clave fue sin lugar a dudas la nueva concepción rítmica utilizada en la interpretación de la música, ésta provenía de una formación académica procedente de Alpha Boys School, un orfanato donde se les enseñaba música a sus pupilos, y en gran medida de las sesiones de improvisación que dirigía el percusionista rasta Count Ossie en Wareika Hill cerca de Kingston. Este estilo aún continúa vigente en la música moderna de Jamaica, y fue el propulsor de otros géneros que se popularizaron mundialmente como el Reggae, Dub, Rocksteady, Drum´nBass, Acid jazz y mucha de la música electrónica actual.

Se considera a The Skatalites como la 'banda madre' de la que salieron todas las demás, ya que varios de sus integrantes fueron los que concibieron lo que hoy conocemos como Reggae. El grupo se mantuvo activo desde mediados de 1964 hasta diciembre de 1965, trabajando para los productores más famosos de la isla como, Coxsone, Duke Reid, Justin Yap, King Edwards, Prince Buster, Randys, Lindon Pottinger ó Leslie Kong, siendo la banda de sesión con la que grababan artistas como Bob Marley, Peter Tosh, Bunny Wailer, Toots & The Maytals, Ken Boothe, Stranger Cole, Justin Hinds, Derrick Morgan, Prince Buster, Jackie Opel, Lord Tanamo, Doreen Shaffer, Alton Ellis, Gaylads, Ken Boothe, Eric 'Monty' Morris, Lord Creator, Lee Perry, Delroy Wilson, Joe Higgs, entre muchísimos otros.

Cabe destacar que muchos de los éxitos con los que Bob Marley conquistó el mundo como 'One Love', 'Put it On' ó 'Simmer Down', fueron escuchados por primera vez de la mano de The Skatalites, quienes acompañaron a este cantante en no menos de 150 grabaciones en el primer período del grupo de Wailing Wailers (Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer).

También hay que subrayar la gran cantidad de éxitos instrumentales que tuvo la banda, (entre las que encontraremos muchas de las 300 composiciones de Drummond) como, 'Occupation', 'Man in the Street' (llegando al Top 10 en U.K.), 'Eastern Standard Time', 'Reburial', 'Confucious', 'Freedom Sounds', 'Guns of Navarone' (también Top 10 en U.K.), 'Ska Town', 'Lee Oswald', 'Addis Ababa', 'Smilling', 'Nimble Foot', 'Black Sunday', que son considerados los clásicos más importantes del género y no han dejado de sonar desde que fueron grabados hace más de cuarenta años.

El combo estaba integrado por Tommy McCook (O.D) y Roland Alphonso (O.D) en saxo tenor, Lester Sterling (O.D) en saxo alto, Johnny Moore en trompeta, Don Drummond en trombón, Jah Jerry en guitarra, Jackie Mittoo en piano, Lloyd Brevette (O.D) en contrabajo y Lloyd Knibb (O.D) en batería, con tres cantantes Jackie Opel, Lord Tanamo y Doreen Shaffer.

Luego de la disolución del grupo, sus integrantes continuaron motorizando las producciones musicales de la mayoría de los sellos jamaiquinos, sus miembros trabajaron como sesionistas con todos y cada uno de los grandes artistas de Jamaica.

A mediados de los 70´s, el grupo se reúne por primera vez desde la primera separación, ya sin Don Drummond, (fallecido), junto a otras luminarias del momento como Ernest Ranglin, Augustus Pablo, Leroy 'Horsemouth' Wallace y Ras Michael para la producción del disco 'African Roots', un disco de Reggae netamente instrumental que tiene increíbles versiones Dub (editadas en otro LP), realizadas por el padre de este género King Tubby.

A esta reunión del grupo le seguirán dos más, una para realizar una presentación en el festival Sunsplash ´83, (que dejó un disco en vivo más otro en estudio editado recientemente con el nombre de 'Rolling Steady') y al año siguiente participar en la edición londinense de este festival, con lo que obtendrían un contrato con Island Records para grabar el apacible y refinado 'The Return of the Big Guns' (1984) realizado en varios estudios de Jamaica, con la producción de Geoffrey Chung.
Luego de esta reunión, la banda regresa a los escenarios en 1986 para acompañar a Bunny Wailer en un tour por U.S.A. que sería el detonante para la reunión definitiva del grupo, ya que fué más viable realizar presentaciones con la mayoría de sus integrantes radicados en Estados Unidos y Canadá.

En 1989, el grupo realiza su primera presentación en Japón, de la que encontraremos testimonio en el disco 'SkaGrovee in Japan', que contiene una de las últimas presentaciones de la banda con su tecladista Jackie Mittoo, quien deja este mundo ese mismo año, con este suceso el Reggae perdió a uno de sus más prolíficos compositores, ya que Mittoo es el autor de la mayoría de los 'riddims' que nutrieron la música jamaiquina en los últimos 40 años.

En 1993 el sello Shanachie convoca al grupo para realizar 'Skavoovee' (editado en Japón como 'McCooke's Book'), un trabajo que recibe una excelente aceptación del público, permitiendoles realizar con éxito su primer tour europeo, a este disco lo seguirán dos más junto a Shanachie, 'Hi-Bop Ska' (1994) y 'Greetings from Skamania' (1996), ambos fueron nominados al Grammy a mejor disco de Reggae, dándoles un reconocimiento importante a nivel mundial. Sus álbumes posteriores, 'Ball of Fire' (1997) 'Bashaka' (2000) y 'From Paris with Love' (2002) lograron superar satisfactoriamente la partida de sus dos saxofonistas Tommy McCook (05/05) y Roland Alphonso* (17/11), quienes desaparecen físicamente en 1998.

La última grabación del grupo acompañando a Toots & the Maytals en el disco 'True Love', que incluía artistas invitados de la talla de Keith Richards, Jeff Beck, Eric Clapton, Willie Nelson, Shaggy, U Roy, Bootsy Collins y No Doubt, siendo ganador del Grammy 2004 en la categoría mejor disco de Reggae, una muestra cabal del gran reconocimiento artístico del que es depositario Toots Hibbert.

Luego de la edición de 'Skatalites in Orbit vol 1', en Argentina y Alemania, el grupo volvió al estudio para la producción de 'On the Right Track' (grabado y editado en Australia a travez de AIM Records en 2007), un excelente CD que contiene material nuevo de Skatalites quienes no pierden ni un gramo de frescura en este tan esperado proyecto, incursionando en el Ska, Rocksteady, Reggae y Dub con gran soltura.

Desde su última reunión en los años 80´s hasta hoy en día The Skatalites no ha abandonado los principales escenarios del mundo haciendo una ó dos giras al año por Europa y U.S.A., tocando en Japón, Venezuela, Jamaica, Rusia, México, Canadá, y cada lugar donde se escuche su música, y puedan estremecer el corazón de sus fans.

La banda que se presentará en Argentina incluye a varios 'suplentes' de gran trayectoria dentro de la música jamaiquina como, el bajista Val Douglas, quien ya tuvo otras apariciones junto a la banda en el pasado, además de haber tocado junto a figuras de renombre como Bob Marley('So Much Trouble in the World', 'Top Ranking', Ride Natty Ride'), Pablo Moses, Peter Tosh, The Congos, Beres Hammond, Augustus Pablo, Aswad, Ernest Ranglin, Lee Perry, King Tubby, Abyssinians, Meditations y el guitarrista Eric Gale. También Vin 'Don Drummond Jr.' Gordon en el trombón es indiscutiblemente uno de los pilares del sonido Reggae, ha grabado prácticamente en todas las producciones musicales de la isla en el período 1965/79, considerada la era dorada del género, para sellos como Studio One, Tresure Isle, Joe Gibbs, Channel One, Island, Black Ark, etc.

En el saxo tenor encontramos a Carl Brian, un concurrente habitual a las sesiones del grupo en su primer período, que atesora una formación musical del mismo origen que los miembros originales, podemos apreciar su saxo claramente en el memorable solo que interpretó en el exito 'Simmer Down' de The Wailers en 1964. Kevin Bathchelor, es el encargado de la trompeta y ha sido uno de los sesionistas más solicitados de los últimos años, trabajando junto a Steel Pulse, Sugar Minott, Dennis Brown y al cantante de Soul Maxwell.

Cabe destacar que la mayoría de estos músicos son prácticamente parte del The Skatalites, tomando el lugar de los miembros originales que fallecieron ó se retiraron de la música, desde mucho antes de acompañarlos en las giras, participando incluso en varios discos del grupo.

Los tres miembros originales que continúan luego de 40 años son el baterista Lloyd Knibb, verdadero sello distintivo de la banda, el saxo alto Lester Sterling, que fue uno de los primeros músicos en tocar en vivo sobre pistas en los Sound Systems de Kingston hace casi cincuenta años y la dulce Doreen Shaffer conocida como 'the Queen of Ska'.

(OD) = 'Order of Distinction' es el segundo premio más importante otorgado por el gobierno de Jamaica a sus ciudadanos.
*= Roland Alphonso tuvo un ataque durante un show junto a Skatalites en California y murió unos días después en un hospital.

LATIN GOES SKA (1984)

FREEDOM SOUND (1992)

GUNS OF NAVARONE (2003)

PHOENIX CITY (2007)

Fuente : http://martincueto.blogspot.com

Fidel Nadal, la voz del reggae globalizado

Fidel Nadal edita nuevo disco "International Love" por ello responde a las preguntas de MDZOL con motivo de su concierto en Mendoza y además incluimos la biografía de uno de los músicos más importantes de la escena argentina.

El cantante y su banda desembarcan hoy en Mendoza con su último álbum, "Internacional Love". Estas 11 canciones y algunas de su prolífica vida discográfica sonarán cerca de la medianoche en Aloha (de Chacras de Coria). Música globalizada, pegadiza y disfrutable es la propuesta con la que regresa el ex Todos Tus Muertos a la provincia.

“Si bien es imposible en un solo disco hablar de todos los temas, intenté enfocarme en varios”, explica por vía telefónica y con su particular voz grave, Fidel Nadal, el músico que esta noche desembarca en Aloha con su último disco “Internacional Love” -en el que será festejo preaniversario de los 40 años que cumplirá el boliche el mes próximo-.

En ese mismo reducto, el ex Todos Tus Muertos contagió en julio al público con algunas de las 11 canciones de un álbum que todavía estaba en proceso, y que según su padre creativo es un trabajo en el que late la premisa de “globalizar la música”.

“Son letras con nombre y sin apellido”, garantiza el cantante acerca de esta serie de pegadizos cortes en los que prima la esencia reggae.

¿Pero cuáles son los temas que atraviesan este nuevo mundo al que invita Fidel? Principalmente tres: el amor (condensado en “Internacional love”, “Bum Bum”, “Linda y bonita”), la ecología (sobre todo, en “No aceleres el tiempo”) y una explícita crítica social (“Noticias, noticias”, “No se apaga la llama”, “Dale calidad”).

“Elegí el amor, que es el que le da el nombre al disco; lo ecológico, en donde se reivindica lo importante que es el contacto con la naturaleza y la conservación del medio ambiente; y el tema social, con letras de protesta, en las que hablo de cosas que ahí vemos todos los días, en la calle, que nos molestan y no nos gustan. Por ahí ronda el disco”, apunta el músico sobre estos pilares temáticos.

"Solo es muy difícil"

Aunque Fidel Nadal siempre se caracterizó por tener como norte las producciones independientes, la brújula marcó otro rumbo en sus últimos tres trabajos discográficos: "Trabajo de hormiga" (2006), “Emocionado” (2007) e “Internacional Love” (2008).

Concretamente el más reciente -en el que colaboraron Amlak Safari, Pablo Lescano, Hugo Lobo, Martino Gesualdi y el mismísimo Sergio Rotman-, está producido por Subterrannia y una gran compañía discográfica (SonyBMG).

“¿No era BMW? Entonces me engañaron, me voy ya a resolver el asunto”, bromea ex Lumumba antes de explicar los motivos de este cambio de horizonte.

“Desde que soy solista hice doce discos por mi cuenta, de manera independiente pero en estos últimos tres eso cambió. Sony sólo tiene la distribución. Para mi es algo muy bueno porque la música necesita difusión”.

Y recarga: “Solo es muy difícil; trabajar en equipo me parece muy positivo y lo estoy disfrutando en este momento después de 6 o 7 años como solista independiente y 13 desde que empezó mi carrera musical”, recalca el músico sobre la repercusión del álbum en los circuitos tradicionales de difusión.

“Ahora estoy trabajando de otra forma; estoy experimentándolo y me gusta. Cuando el trabajo en equipo se hace bien es muy productivo. Cada uno, desde su lugar tiene que hacer las cosas lo mejor posible pero en función del equipo y en beneficio de todos. Y esto es algo que recién conocí ahora”, remarcó.

“Mi lugar es el estudio, ese es mi territorio y ahí trato de desempeñarme lo mejor posible”, menciona sobre el búnker en el que se refugió durante un año para componer los temas que serán presentados oficialmente en la capital porteña, el 5 de diciembre en Niceto Club y que escuchará hoy el público mendocino.

“Vamos a tocar algunos de los temas que también hicimos en Aloha, en julio, que son de los otros discos. Mechamos éstos con las canciones de 'Internacional Love' y así armamos un show como para que la gente lo sienta. La oportunidad de ir a Mendoza no se me da todos los días, cuando lo hago me gusta ir con todo”.

Después de un brevísimo segundo, el hombre del reggae remata: “Soy un artista que pude continuar gracias al show en vivo”.

Fidel Nadal - International Love

Fuente: Marieta Encina Lanús MDZOL (http://www.mdzol.com/mdz/nota/85603-Fidel-Nadal,-la-voz-del-reggae-globalizado/)

BIOGRAFÍA DE FIDEL NADAL:

Fundador de una de las más grandes bandas que dio Argentina, TODOS TUS MUERTOS:
Fidel Nadal (voz), Gamexane (guitarra), Felix (bajo) y Christian Ruiz (batería), comenzaron a tocar allá por 1985, formando parte de una nueva movida musical que comenzaba a gestarse en torno a bandas como CADAVERES DE NIÑOS, MASACRE PALESTINA, SENTIMIENTO INCONTROLABLE y ATTAQUE 77 entre otras. Si bien la tendencia por aquel entonces se inclinaba hacia el punk rock, TTM no dejaba de lado otros ritmos, como el reggae y el hardcore bien crudo. En una entrevista hecha por la legendaria revista Pelo, Fidel diría que en los comienzos no tenían una idea definida sobre lo que podrían llegar a hacer. Todo fue surgiendo con el paso del tiempo. Es más, la idea no era tener una banda fija...

El nombre elegido para la banda surge de varias cosas; de la encíclica papal “Totus tuus”, de los 30000 desaparecidos en la última dictadura militar que hubo en la Argentina, y de “la muerte en vida que sufre la juventud al tener todas las puertas cerradas”, según palabras del propio Gamexane.

Hacia 1986, TTM grabaron su primer demo en cassette, titulada Noches agitadas en el cementerio. Dos años más tarde llegaría el debut en el vinilo, de nombre homónimo a la banda. Ese trabajo fue un tanto cuestionado en su momento, no por la calidad de las canciones, si no por el hecho de que fuera editado por la multinacional RCA. Era algo así como una contradicción, ¿cómo era posible que una banda “punk” debutara con un sello multinacional? En fin, hablemos del disco en sí mismo, que es lo que interesa. El acabado final muestra un trabajo oscuro, de un rock extremo y sombrío (no en vano le dedican “su obra” a Edgar Allan Poe).

Todos tus Muertos - Gente que No

Luego de unos tres años sin grabar, TTM volvieron al ruedo con Nena de Hiroshima. Aquí empieza a notarse un alejamiento del punk rock y el hardcore, empezando a definir un poco más la identidad musical del grupo. A pesar de ello, el disco sigue manteniendo ese perfil sombrío de su predecesor.

A esto le siguió un hecho bastante conocido por todos, la invitación que le hiciera Manu Chao (líder de MANO NEGRA) a Fidel para embarcarse en el “Tren de hielo y fuego” que casi durante un año recorrió Colombia, mientras el grupo franco-español grababa Casa Babylon, un discazo que finalmente sería el último del grupo. Fidel acompañó a Mano Negra por distintos lugares de Latinoamérica, y tuvo una marcada influencia en el producto discográfico final (escribió la letra de Bala perdida y cantó algunos temas).

Tren de hielo y fuego



Mano Negra - La vida

De vuelta a la Argentina y ya con Pablo “Dronkitmaster” como segunda voz, TTM grabaron Dale aborigen en 1994. En este trabajo (uno de los mejores del grupo) participaron el propio Manu Chao y Fermin Muguruza (de la banda vasca Negu Gorriak) entre otros. Puede decirse que aquí es donde el grupo mostró su definitiva madurez musical. La fusión perfecta entre estilos como el reggae, raggamufin, hip-hop, hardcore y otros ritmos latinos así lo demuestran.

Todos Tus Muertos - Andate

Todos Tus Muertos - Mate

A partir de este trabajo logran salir de Argentina y hacer grandes giras internacionales, visitando países como México, Perú, Puerto Rico, Estados Unidos, Francia, España y Colombia. De unas presentaciones en base a esta misma gira que hicieron en Cemento en 1995, sale el disco en vivo Argentina te asesina.

Es para esta época cuando Fidel, luego de un viaje a Jamaica, se junta con su hermano Amilcar y Pablito para poner sus letras y sus voces sobre originales jamaiquinos de diferentes ritmos tradicionales, utilizando sistemas básicos y “populares” de amplificación. Este proyecto se llamó LUMUMBA. Se trata de el punto de partida del proyecto en solitario de Fidel Nadal. Editaron dos discos, con temática relacionada con la fe rastafari.

Lumumba - Sólo el tonto se confía

Ese mismo año editan Subversiones, un disco de covers y versiones que contiene temas de Bob Marley y The Clash entre otros.
En abril de 1998 sacaron lo que a la postre sería su último trabajo discográfico, El camino real en el que el reggae se convierte en protagonista absoluto del disco. Fidel remarcó su intención de profundizar la cultura rastafari y Gamexane y el resto de la banda pretendían avanzar hacia el punk, lo cual produjo la salida de Fidel Nadal de Todos tus Muertos, iniciando su carrera en solitario.

Todos Tus Muertos - El Camino Real



Todos Tus Muertos - Dignidad

Tal y como se preveía en los últimos discos de Todos Tus Muertos, Fidel tenía la necesidad de tocar mas reggae y dejar atrás la música dura, con lo que inició en 2000 su carrera en solitario con el disco Canta sobre temas y en 2001 edita su segunda referencia Selassie I Dios Todopoderoso, donde desde el nombre nos pone en claro el estilo y el camino que busca el proyecto que es mucho reggae en muchas de sus variantes y letras al mas puro sentimiento rasta.

Fidel Nadal - No estamos solos

En es mismo año autoproduce dos discos más, Cabeza Negra y Repatriación, en el que continúa con su temática rastafari y en los que colaboran multitud de amigos.
A éstos le siguen Brillando por Negus en 2002, Amlak en 2003 y, en ese mismo año, el disco conjunto con Pablito Molina, Dame un alegría.
La producción de Fidel Nadal continúa con un ritmo asombroso, editando en 2004 Fuego Caliente, Negrociación y Puerta de Oro.

Fidel Nadal - Fuego Caliente

Fidel Nadal - Acá y ahora

2005 nos depara otros tres discos, a saber, Cosas Buenas, Guerreros Incansables y Avanzando.

Ultimamente parece que Fidel se ha decidido a grabar en multinacionales, lo que le permite la distribución global de su obra, por lo que "sólo" ha editado un disco al año. En 2006 Trabajo de Hormiga, 2007 Emocionado, su primer disco editado en España y el hasta ahora último 2008 International Love

Fidel Nadal - Trabajo de Hormiga

Fidel Nadal - Vamos Arriba

Fidel Nadal - Emocionado

La música de la Pachamama II (Venezuela)

Segunda entrega dedicada a Venezuela:

LOS AMIGOS INVISIBLES:

Los Amigos Invisibles es una banda formada en Caracas en 1991, cuya música mezcla elementos de la música disco, el acid jazz y el funk con ritmos latinos. Debutaron con un primer disco en 1995, trasladándose a Nueva York, a partir de su tercer disco "Arepa 3000" que los consolidó internacionalmente.

Los Amigos Invisibles - Ponerte en Cuatro

DESORDEN PÚBLICO:

Desorden Público es una banda de ska, fundada en Caracas en 1985. Cuentan con un sonido propio construido de la fusión de elementos caribeños con un sonido urbano caraqueño.
Desde sus inicios la banda se ha caracterizado por expresar abiertamente su postura ante las contradicciones sociopoliticas del planeta, el racismo y la desigualdad.

Supervivientes del mundo underground y de la voracidad de las disqueras, al mismo tiempo que unos pioneros de la movida independiente venezolana; Desorden Público tiene seguidores de tres generaciones distintas y es considerada una banda de culto en el mundo independientes del SKA, así como unos cronistas de la juventud caraqueña de los años 80.

Desorden Público - Valle de Balas

CARAMELOS DE CIANURO:

Caramelos de Cianuro es una banda de rock alternativo y punk, de Caracas, Venezuela.

Caramelos de Cianuro - El último polvo

BACALAO MEN:

Bacalao Men nace en Caracas en el ocaso de 1998. Algunos de sus integrantes tienen un importante historial dentro del rock venezolano, en la generación post punk que se gestó en la segunda mitad de los ochenta. Otro segmento del grupo labró una trayectoria en el jazz y en la salsa, mientras que el porcentaje restante -el más novel- lo hizo en el hip hop. Con todos esos antecedentes El grupo asoma una propuesta musical que se extiende del dub a la salsa, pasando por el funk, el rock y la electrónica.

Bacalao Men - El Comegente

PAPASHANTY SOUND SYSTEM:

Papashanty es una una propuesta nacida en 2002 que ofrece reggae, dancehall, hip hop y drum and bass. Nace de la reunión de músicos, de diferentes bandas, con gran trayectoria nacional e internacional, que se fusionaron para presentar música con letras "superpositivas" que alegran y dan fuerza.
La mezcla contundente de las letras y coros, a través de sus dos cantantes, logran una fluidez de nuevos ritmos entre electrónicos y acústicos llenando a los oyentes de "buena vibra" y mensajes imponentes ante el desencanto, violencia y depresión que muchas veces nos invade.

Papashanty Sound System - Abre los ojos

TOMATES FRITOS:

Provenientes de la ciudad de Puerto la cruz, Venezuela, Tomates Fritos se consolidan como una de las agrupaciones banderas del rock hecho actualmente en este país.
Desde principios de 1996 y con un fuerte empuje, la banda maneja el rock n roll y el Folk clásico norteamericano cantado en español, como columna vertebral de su música.

Provenientes de la ciudad de Puerto la cruz, Venezuela, Tomates Fritos se consolidan como una de las agrupaciones banderas del rock hecho actualmente en este país.

Desde principios de 1996 y con un fuerte empuje, la banda maneja el rock n roll y el Folk clásico norteamericano cantado en español, como columna vertebral de su música. Conformada por: Boston rex (bajista y vocalista) , Carlos Franco, (Guitarra Eléctrica y Coros) Rodrigo Vera (Guitarra Eléctrica), Pablo Agreda (Guitarra Eléctrica,... (read more)

Tomates Fritos - Saquenme de aquí

Guns N' Roses, con nuevo disco 17 años después

Axl Rose defiende su trabajo ante 'fans' de antiguas y nuevas generaciones

Las guitarras se escuchaban desde la calle a un v olumen atronador. Los fieles no quisieron perdérselo. Uno de los discos más esperados de la reciente historia del rock se pudo escuchar ayer en Madrid. Fueron 70 personas las invitadas a ese momento histórico que se ha hecho esperar 17 años. El nuevo disco de Guns N' Roses, la banda de rock liderada por Axl Rose, es una realidad. Desde 1991 la formación no ofrecía otra entrega con temas nuevos grabados en estudio. El grupo estalló en cinco pedazos a mediados de los noventa. Sólo queda Rose.

La discográfica Universal citó a fans y prensa en el Hard Rock Café de la capital y reventó los oídos de los presentes con los 14 temas de Chinese Democracy. El disco no dejó indiferente a nadie. Allí estaba David, vallecano de 30 años, junto a su amigo Fernando, de 40. Pelos largos y camiseta de grupo: "El disco está demasiado producido, suena muy moderno y se echa de menos que suene a G N' R. Le falta potencia".

Diecisiete años después, si algo se dice de Rose, es que terminó convertido en un ser excéntrico, que cree en las energías sobrenaturales, que tiene un chamán de confianza al que hay que darle una foto en blanco y negro de cualquier persona que trabaje en el grupo. Si las vibraciones que reciba el gurú son negativas, será despedido. "Axl perdió el norte", asegura David.

Pero si otra cosa ocurrió ayer entre tanto decibelio fue la constatación de un salto generacional: en 17 años todo cambia mucho. Elena, de 22 años, y Lorena, de 21, son dos universitarias de Madrid. Estudian Estadística y Derecho, respectivamente. Ganaron unas entradas para asistir a la presentación del disco en una página de MySpace. "Me ha gustado mucho. Son míticos y un clásico", asegura Elena. "Yo los conocí cuando era pequeña por mi padre". "Eso sí, no me gusta nada ese pelo de trencitas de colores que lleva ahora Rose", agrega. Echan de menos la presencia de Slash, el mítico guitarrista de la formación original, pero salvan el resultado, aunque critiquen todas las operaciones de cirugía estética del cantante... Prefieren a los G N' R de sus padres: "Los viejos rockeros nunca mueren, ¿no?".

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/madrid/Guns/N/Roses/nuevo/disco/anos/despues/elpepuculmus/20081122elpmad_11/Tes)

Guns N' Roses - Chinese Democracy

Guns N' Roses - Shacklers Revenge

La música de la Pachamama I (Colombia)

Aprovechando "Pachamama", el muy recomendable programa de Radio 3 voy a presentar una serie de grupos de músicas latinas y world music en varias entregas:

Esta primera entrega la dedicaremos a Colombia:

ASILO 38:

Agrupación de hip hop procedente de Cali que ha demostrado ser una de las bandas con mayor proyección a nivel nacional e internacional, capaz de conjugar los ritmos y beats originales de la ciudad de Los Ángeles y a su vez volcarse a un intento por integrar un sonido que llegue a ser identificado como "hip hop colombiano". Smoka, Dr. Ganja, Rocky y Al Roc Delito, son los integrantes de Asilo 38, jóvenes que desde hace cerca de diez años vienen creciendo como músicos, y también como individuos, pues su arte les ha permitido adentrarse en su comunidad y ser voceros de sus realidades, críticos de un sistema con el que no llegan a sentirse identificados, fruto de la opresión social y de años y años de inasistencia y abusos.

Asilo 38 - "Homenaje"

LA 33:

La 33, una banda con sabor urbano. Su nombre se deriva de la casa de la calle 33, lugar de reunión, ensayo y experimentación de jóvenes músicos de diversas corrientes y tendencias. Allí se siente el sabor urbano en las conversaciones, improvisaciones y composiciones de todo este grupo de artistas. Los sucesos diarios, las diversas tendencias de pensamiento, de actitud, de formas de vestir y de hacer música se mezclan allí y han dado lugar a composiciones y producciones musicales y gráficas de trascendencia en la capital. Desde comienzos de siglo, los Hermanos Sergio y Santiago Mejía y un grupo de sus amigos, la mayoría de ellos con experiencias previas en Jazz, Rock, Reggae o Ska, iniciaron el estudio de ritmos del caribe, especialmente salsa, boogaloo, jazz y folklore para combinarlos y formar la orquesta 33.

La 33 - "La Pantera Mambo"

LUMBALÚ:

La formación Lumbalú nació en Pereira (Colombia) en el año 1984. El grupo se formó inicialmente para experimentar sobre los diferentes ritmos de los litorales de su país, realizando trabajos de campo que permitieron a sus miembros conocer y aprender de forma directa de los maestros, nutrirse de la tradición afro-colombiana y conocer las historias de los antiguos músicos. La guerra civil en Colombia y tambien las ganas de cambiar de aires les hicieron llegar hasta Barcelona en 1997 donde el grupo ha evolucionado con el mestizaje músical, mezclando ritmos e instrumentos modernos con los tradicionales logrando una gran frescura. A veces juerguistas sin fronteras, otras veces inmigrantes sin consuelo, nos ofrecen una cumbia de música alegre y letra nostágica por su tierra colombiana.

Lumbalú - Te van a matar

SIDESTEPPER:

El proyecto Sidestepper comienza cuando el inglés Richard Blair viaja a Colombia y comienza a producir en 1997 música latina usando ‘beats’ y bajos modernos. Posteriormente se une al proyecto el compositor colombiano Ivan Benavides hasta que en 2002 Richard regresa a Bogotá, a formar una banda que sería basada en Colombia, y entre conocidos como Janio Coronado y Teto Ocampo, y nuevos talentos como Erika Muñoz, una magia especial ha emergido en esta encarnación de Sidestepper.

Sidestepper - "Linda manigua"

MARTA GÓMEZ:

La cantautora Marta Gómez afincada en Nueva York aunque orgullosa colombiana, es una artista con sencillez y claridad. Se jacta de no tener grandes recursos de sonido con tecnología, mientras sin embargo, permiten que la música hable para sí misma, cumbias colombinas y bambucos, zambas de Argentina, sones cubanos, y landos peruanos. Gomez, fué nominada para mejor álbum latino del jazz de Billboard en 2004, exhibe la belleza de su voz angelical la canción y arreglo talentoso lo más exquisitamente posible en "Cielito Lindo" que incorpora un tempo retardado.

Marta Gómez - Déjalo ir

Hendrix ya tiene toda su banda a su lado

Murió Mitch Mitchell, ex baterista de Jimi Hendrix Experience

El último integrante de la banda de rock del legendario Jimi Hendrix, fue hallado muerto en la habitación de un hotel en Estados Unidos.

Mitch Mitchell (de 61 años de edad), baterista de uno de los grupos clave en la década de los '60, fue descubierto sin vida en el Hotel Benson, en Portland, Oregon, en las primeras horas de la mañana del miércoles.

Según las autoridades, la muerte parece haber ocurrido por causas naturales.

Mitchell se encontraba de gira en EE.UU. con el grupo Experience Hendrix Tour, con el que hizo su última actuación el viernes.

Jimi Hendrix falleció en 1970, a los 27 años de edad y el otro integrante del trío, el bajista Noel Redding, murió en 2003.

"Héroe del rock"

Nacido en Ealing, un suburbio del oeste de Londres, Mitchell se ganó un lugar privilegiado en la historia del rock después de sumarse en 1966 a la banda de Hendrix.

Tres años más tarde, el trío brilló en los escenarios de Woodstock, Estados Unidos.

Pero además, Mitchell tocó con otras leyendas del rock como Eric Clapton, John Lennon y Los Rolling Stones, entre otros.

Según el periodista de la BBC James Naughtie, Mitchell es considerado ampliamente como uno de los bateristas más influyentes de todos los tiempos.

Pionero en el ámbito musical, a Mitchell se le atribuye el haber colaborado en el desarrollo de un estilo fusión en la percusión, en el que el jazz se combina con el rock.

Bob Merlis, vocero de la gira, dijo que la noticia de su muerte había sido "devastadora".

Kenny Wayne Shepherd, uno de los músicos que lo acompañó en el tour, afirmó que Mitchell en percusión era el equivalente a Hendrix en la guitarra.

"Hoy, muchos de nosotros hemos perdido a un amigo, y el mundo, perdió a un héroe del rock'n roll".

Fuente: BBC Mundo (http://news.bbc.co.uk/hi/spanish/misc/newsid_7726000/7726918.stm)

Mitch Michell

Mitch Mitchell, baterista de rock, apareció muerto el miércoles 12 de noviembre en la habitación de un hotel de Portland (Estados Unidos), aparentemente por causas naturales. Mitchell, de 61 años, se hallaba en la ciudad de Oregón tras girar durante cuatro semanas con la Experience Hendrix Tour, una trouppe de formación variable que recrea la música de Jimi Hendrix. Ya no queda vivo ningún miembro de la Jimi Hendrix Experience. En 1966, aquel grupo transformó la estética del rock, incluso desde la imagen: tres tipos angulosos, con fenomenales afros y ropa fantasiosa. El sonido también parecía de otro mundo: salvaje, apocalíptico, alucinado. La guitarra de Jimi era el inevitable foco de atención, pero detrás había un gomoso soporte, integrado por el bajo de Noel Redding y la batería de Mitch Mitchell.

John Mitch Mitchell había nacido en Ealing (Middlesex) el 9 de julio de 1947. Actor en sus años infantiles, se estableció posteriormente como un baterista de prestigio por aplicar su toque jazzístico a grupos londinenses que tocaban variaciones del rhythm and blues: The Pretty Things, The Riot Squad, los Blue Flames de Georgie Fame. Chas Chandler, antiguo bajista de The Animals que había saltado al management, le habló de su fichaje, un prodigioso guitarrista negro al que había descubierto en Nueva York y que se había traído a Londres. La reinvención de Hendrix como un pavo real del pop británico resultó una jugada magistral. Pero no hubiera sido posible sin el flexible respaldo de Mitchell, que brilla en Are you experienced (1967), Axis: bold as love (1967) o Electric ladyland (1968). El formato de trío y la excepcional musicalidad de Hendrix obligaron a Mitch a ser particularmente creativo.

De hecho, se le puede considerar como el baterista fijo de Jimi, al que volvió a requerir tras el tormentoso periodo de The Band of Gipsys, el grupo con el que el guitarrista quiso hacer frente a las críticas oportunistas de exaltados del black power por su uso de músicos blancos (¡y británicos!). La afinidad de Mitchell se demostró incluso tras el fallecimiento accidental del guitarrista en 1970, cuando añadió su sutil batería a temas que había dejado abocetados, editados finalmente como The cry of love o Rainbow bridge.

Escasos beneficios

La otra cara de la moneda: el escaso beneficio que Mitchell derivó de su indispensable trabajo. El mismo Jimi vio poco dinero y sus músicos eran tratados como simples asalariados. Durante uno de esos periodos de paro que parecen inevitables en la vida de los músicos, Mitchell terminó malvendiendo sus recuerdos, incluyendo una guitarra que Jimi había usado. Posteriormente, renunció a sus derechos de música e imagen por 200.000 dólares, una cantidad que pronto se reveló insignificante, dado el volumen de negocio que generó -y sigue generando- la obra de Jimi.

Ocasionalmente, tocó con otros músicos políglotas, como Jeff Beck, Mick Taylor, Terry Reid o Jack Bruce. Aparte de una temporada en Ramatam, un supergrupo con músicos estadounidenses, pasó las siguientes décadas acompañando a discípulos de Jimi, como Randy Hasen, o participando en proyectos hendrixianos, generalmente fuera del radar de los grandes medios.

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/Necrologicas/Mitch/Mitchell/baterista/Jimi/Hendrix/elpepinec/20081114elpepinec_1/Tes)

MITCH MITCHELL Drum Solo Sweden, January 9, 1969.

Jimi Hendrix - "All Along The Watchtower" 1970 Isla de Wight

Entrevista a Fermin Muguruza

Fermin Muguruza en Hoy empieza todo de Radio 3.

Fermín Muguruza presenta 'Asthmatic Lion Sound Systema', un completo 'cuaderno de bitácora' sonoro en el que se citan músicas y voces recogidas por el cantante irunés en sus recientes viajes a lo largo y ancho del mundo:

Hasta Siempre Mamá África.

Miriam Makeba muere cantando por la libertad

La artista fallece de un infarto tras un concierto contra la Camorra napolitana

MIGUEL MORA - Roma - 11/11/2008

Miriam Makeba, legendaria cantante surafricana y símbolo universal de la lucha contra el apartheid, falleció el domingo a medianoche en Castel Volturno, un feudo de la Camorra napolitana, muy cerca del lugar donde hace dos meses la Mafia asesinó a seis inmigrantes africanos. Mamá África se sintió mal durante un concierto colectivo contra la Camorra y el racismo, dedicado al escritor Roberto Saviano. La artista, de 76 años, cantó y bailó descalza durante 20 minutos, y cerró su última actuación con un bis: el mítico Pata pata.

La cantante de Johanesburgo salió en último lugar, y acabó su actuación a las 10.54. La precedieron la cantante neomelódica Maria Nazionale, actriz en la película Gomorra,candidata italiana al Oscar de este año, y los artistas Eugenio Benatto y Daniele Sepe.

Makeba aceptó hacer ese último bis aunque ya se encontraba mal, explicaron a este diario fuentes cercanas a la organización del concierto. "Estaba algo enfadada porque la hicieron salir al final y ya casi no había público", explica una persona que estaba sobre el escenario y prefiere guardar el anonimato. "Había tenido un día lleno de visitas y decía que le dolían las piernas. Por la mañana, fue al Centro Don Fernández (un local de integración de inmigrantes), paseó por Nápoles, y cuando llegó al concierto ya estaba mal".

Makeba tenía previsto cantar seis canciones, pero solo cantó cuatro. "Al acabar, volvió entre cajas y se desvaneció. Pedimos un médico, y éste la reanimó durante un rato largo haciéndole el boca a boca", continúa la fuente anónima. "Luego llamamos a la ambulancia del 118. Tardaría entre 15 y 20 minutos en llegar". Cuando Makeba ingresó en la clínica privada Pineta Grande, situada a unos 1.800 metros del escenario, los médicos no pudieron hacer nada por su vida.

Roberto Saviano, profundamente consternado, afirmó ayer que Makeba "era, para los surafricanos, la voz de la libertad". A pesar de que tenía fiebre desde hacía unos días y graves problemas de artritis, Makeba no quiso renunciar a dejar su mensaje de libertad en el territorio de la Camorra. Según el Gobierno regional, la organización mafiosa había enviado el sábado a unos emisarios para reclamar el pizzo (la extorsión) a los operarios que montaban el escenario.

El presidente surafricano, Nelson Mandela, el hombre que restauró la dignidad y la democracia en Suráfrica y que convenció a Makeba a regresar a su país natal tras tres décadas de exilio, declaró: "Es justo que haya muerto en el escenario. Su muerte nos entristece a nosotros y a todo el país". El cuerpo de Miriam Makeba será trasladado hoy en un vuelo especial a Suráfrica, donde la cantante será enterrada con un funeral de Estado.

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/cultura/Miriam/Makeba/muere/cantando/libertad/elpepucul/20081111elpepicul_6/Tes)

Miriam Makeba - Pata Pata (2007)

ANÁLISIS

La Revolución de

Mamá África

CARLOS GALILEA 11/11/2008

Era una de las mujeres más queridas y admiradas de África. Miriam Zenzile Makeba, conocida como Mamá África, pasó 30 años en el exilio. Al llegar a Londres en 1959 no se atrevía a entrar en los restaurantes porque veía a los blancos en las mesas. Y comer con los blancos era algo impensable en la Suráfrica del apartheid. Recordaba que en el avión de South African Airways nadie quiso sentarse a su lado. Viajando por el sur de Estados Unidos, con Harry Belafonte, al que consideraba un hermano mayor, también se encontró con prohibiciones debidas al color de su piel. Hablaba bajito, pero su voz sonó muy firme cuando se dirigió a la Asamblea General de Naciones Unidas para denunciar la discriminación racial.

Cantó en grupos como Manhattan Brothers y Skylarks, ante el emperador Haile Selassie y la Organización para la Unidad Africana (OUA) en Addis Abeba y, en Nueva York, en la velada en que Marilyn Monroe le dedicó a Kennedy su inolvidable Happy birthday, se retiró pronto porque tenía fiebre, pero una limusina la fue a buscar porque el presidente quería saludar a la joven surafricana. Estuvo casada con Stokely Carmichael, líder de los Panteras Negras -se empeñó en que él y sus amigos vistieran correctamente "no se hace una revolución para estar en el lodo", les dijo-, y con el trompetista Hugh Masekela. Conoció a cantantes de jazz como Sarah Vaughan o Dinah Washington, se hizo amiga de Nina Simone, y decía sentirse afortunada por haber vivido la época en que algunos países de África lograban su independencia y los negros de Estados Unidos luchaban por sus derechos. Superó un cáncer, pero nunca la muerte de Bongi, su única hija, fallecida mientras ella participaba en la gira Graceland, de Paul Simon. Recibió premios como el Polar, el de Música de la Unesco o el Dag Hammarskjöld, por su labor humanitaria.

El 11 de junio de 1990 regresó a Suráfrica. Tanto ella como sus discos habían estado vetados 30 años. Llegó al aeropuerto de Johanesburgo temprano por la mañana. Fue uno de los momentos más conmovedores de su vida: la cantante Brenda Fassie empezó a cantar Nkosi sisekele, el himno del Congreso Nacional Africano. Todos lloraban y se abrazaban.

Makeba no podía terminar un concierto sin Pata pata, la canción que la hizo famosa, y que ella consideraba una de las más insignificantes de su repertorio. A sus 76 años le resultaba ya penoso viajar, pero reclamaban su presencia desde Islandia hasta Singapur. Nelson Mandela se lo dijo un día a Winnie: "Cuando vi a aquella jovencita supe que iba a ser alguien".

Fuente: El País (http://www.elpais.com/articulo/cultura/revolucion/Mama/Africa/elpepicul/20081111elpepicul_5/Tes)

Miriam Makeba - The Click Song (1966)

EL REGRESO CON NUEVO DISCO DE LOS FABULOSOS CADILLACS

EL REGRESO CON NUEVO DISCO DE LOS FABULOSOS CADILLACS

Fabulosos Cadillacs: los viejos trucos del hechicero“Padre nuestro”, primer single de su futuro álbum: "La luz del ritmo", que incluirá 5 nuevas composiciones de la banda, 6 versiones renovadas de clásicos de su repertorio y 2 covers de otros artistas: “Should I stay or should I go” (de The Clash) y “Wake up” (de Ian Dury).

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Fabulosos Cadillacs - Padre Nuestro

Cinco temas nuevos, seis versiones de canciones propias y dos covers de hits de los '80 es el menú que ofrece el regreso discográfico de los Fabulosos Cadillacs. La luz del ritmo sale el 30 de este mes, seis días antes del debut en vivo en el Foro Sol de México D. F.

La célula madre de Vicentico y Flavio Cianciarulo, más Sergio Rotman (saxo), Mario Siperman (teclados), Fernando Ricciardi (batería) y Daniel Lozano (trompeta), eligió cabalgar sobre la leyenda de la banda más que correr un mínimo riesgo. Esa falta de audacia redunda en una apuesta al costado más latino del grupo, el más pachanguero, interrumpiendo así el desarrollo histórico evolutivo de los Cadillacs cuyos extremos son los frescos y elementales inicios ska a mediados de los '80 y el final de rock progresivo y oscuro de los dos últimos discos en estudio (Fabulosos Calavera y La marcha del golazo solitario).

Esa capacidad beatle para explorar siempre más allá de lo conocido por la propia banda (aún a riesgo de embarcarse en propuestas que sonaron en su momento pretenciosas) fue uno de los grandes méritos de los Cadillacs. Ahora se pisa sobre seguro: los tres primeros temas (los tres de Flavio) son una muestra del viejo y poderoso groove del grupo. La luz del ritmo -que estrenaron en el Planetario porteño- es un mambo pariente de Gitana (aquel de "vamos a bailar, toda la noche ¡al ritmo de la banda!" ); Mal bicho tiene un tratamiento soul; Flores es un rock marchoso con percusiones caribeñas.

A medida que el disco avanza se pone más interesante. Padre nuestro, el corte de difusión, es una revisión en clave de cumbia villera de la canción publicada originalmente en Rey Azúcar, arreglada y producida por Pablo Lescano. Nosotros egoístas podría haber integrado uno de los discos solistas de Cianciarulo: compuesto y cantado por el bajista, es un homenaje a Toto Rotblat (ver Una letra) que no cae en golpes bajos. Destaca una frase plena de amor y misterio: "Se nos hace difícil actuar / por quererte y no tenerte. Nunca dejaremos de escuchar / lo que nos dijiste el día que te fuiste". Hoy funciona en simetría con Nosotros egoístas: es de Vicentico y calzaría perfecto en cualquiera de sus discos solistas.

Should I Stay or Should I Go (The Clash) y Wake Up (Ian Dury) son los dos respetuosos covers del álbum, con letras adaptadas al español. El genio del dub confirma la estatura de esa canción -ese ritmo que lo atraviesa y que es a su vez su columna vertebral- y muestra a un Vicentico inspirado en la parte vocal. Basta de llamarme así es otra gran canción, hecha en ritmo de reggae y con el aporte de una sesión orquestal arreglada y dirigida por Hugo Lobo de Dancing Mood, una coda bellísima que le da un ropaje elegante sobre el final.

El fin del amor, otro estreno, es un spaghetti rock firmado por Rotman. Muy, muy temprano -un rescate de la primera época-, otro reggae en estado de pureza. El final es lo mejor del disco, un broche sensible: una revisita a Los condenaditos (Vicentico-Rotblat) que, con un arreglo sutil, funciona -por temática y filosofía de la letra, y por tratarse de uno de los autores de la canción- como un delicado responso a Gerardo Toto Rotblat.

Fuente: Clarín (http://www.clarin.com/diario/2008/10/26/um/m-01788395.htm)

Los Fabulosos Cadillacs - La luz del ritmo & Matador (Premios MTV 2008) 16.10.2008

Entrevista con Vicentico

Vicentico y Falvio Cianciarulo son los dos grandes creadores de los Fabulosos Cadillacs. "Es un placer tener a un tipo como Flavio en la banda", dice el cantante líder del grupo, que aparece aquí en primer plano.

El rock en español sigue con la fiebre de los regresos. Primero, Los Hombres G; después, Soda Stéreo y, casi al tiempo, Héroes del Silencio. Ahora, los Fabulosos Cadillacs.

Vicentico, Flavio Cianciarulo (bajo), Sergio Rotman (saxo), Mario Siperman (teclados), Fernando Ricciardi (batería) y Daniel Lozano (trompeta), son sus integrantes.

Sin embargo, hay regresos de regresos. Los de Héroes del Silencio y Soda Stéreo tuvieron un tufillo corporativo que irrita: se volvieron a juntar y salieron a recoger millones de dólares.

Vicentico se afana en aclarar que ellos no están en esa línea. Dice que solo la música y una amistad de dos décadas los congregan de nuevo.

Los Cadillacs estarán en Medellín el 19 de noviembre, y el 22, en Bogotá.

EL TIEMPO: ¿La industria que dejaron cuando se marcharon es hoy muy distinta?

Vicentico: Sí, pero lo que siempre va a ser igual son los espectáculos en vivo. Es lo que queda y es la verdad de un grupo. Nuestro trabajo es salir a tocar.

¿Los Cadillacs vuelven con disco ('La luz del ritmo') y canciones nuevas?

En realidad, hicimos dos discos. El primero sale ahora (en Colombia, la semana entrante). La mitad de las canciones son clásicos nuestros reversionados y la otra mitad son nuevas. En marzo sale otro, también con clásicos y nuevas piezas. Para nosotros, era fundamental encontrar las ganas de volver a grabar. No habría sido lo mismo retornar sin disco nuevo. El concierto sí está más basado en las canciones de siempre.

Siempre tuvieron algo de militancia social en sus canciones. ¿Sigue eso en el trabajo de la banda?

A esta altura de nuestras vidas, hallamos una manera más fuera de foco de decir las cosas en las canciones. Las composiciones viejas pueden ser más directas, pero eso tal vez tiene que ver con la edad. Con el tiempo, a mí me dio por escribir de una manera más poética.

¿Cómo es la democracia en una banda con dos mentes creativas, usted y Flavio Cianciarulo?

Es un poco natural. No hay problema con eso. Tenemos bastante gimnasia en el momento de decidir qué vamos a grabar, básicamente, porque sentimos que la canción es importante. Si no nos conforma a todos, queda por fuera. Tener varios escritores te da una suerte de competencia sana que te permite explorar más cada canción. Es un placer tener a un tipo en la banda como Flavio.

Como solista, usted grabó la canción colombiana 'Los caminos de la vida'. ¿Por qué?

Es una canción que conozco casi desde que fue inventada, hace más de 10 años. La escuché por primera vez en México. Estaba en un bar y en una rockola la pasaban sin parar. No pude olvidarla. En Argentina se convirtió en un hit que canta todo el mundo. Soy un admirador de Ómar Geles.

¿En sus discos siempre incluyó clásicos de otros?

Tengo dos facetas: la de cantante y la de persona que escribe canciones. Como cantante, es importante tener canciones de gente como Ómar, autores que escriben con esa pureza y profundidad popular. También interpreté canciones de Blades y de Chico Novarro. En el nuevo disco de los Cadillacs hicimos un par de versiones. Una es tema de los Clash, Should I stay or should I go. Ellos no aceptaban versiones, pero logramos que nos dejaran. También tenemos Wake up, make love, de Ian Dury.

También cantó con dos divas Celia Cruz y Debbie Harry (cantante de Blondie)...

Celia fue una lección sobre cómo se llega a grande con talento, inteligencia y amor por la música. Cuando grabó con nosotros, tenía 70 y pico de años y no sabía quiénes eran los Cadillacs. En Argentina ella no era muy conocida, pero trabajó con nosotros solo porque era una artista y tenía curiosidad por todo. Con Debbie fue uno de esos lujos que uno se puede dar en esto de la música.

Grabó un vallenato, cantó con la reina de la salsa, su música tiene ska y reggae. ¿Usted tiene alma caribe?

Sí, mucho. No sé por qué, pues vivo muy al sur. De algún lado me sale. Es lo que más fácil se me da.

'Parar fue una decisión sabia'

¿Qué significa este regreso, Vicentico?

Es como volver a casa. Los Cadillacs son mi primera banda. Los conozco desde que tenía 15 años y ahora tengo 44. Haber parado no significó nunca que dejáramos de vernos y de compartir un montón de cosas. Por suerte lo hicimos a tiempo. Fue una decisión sabia. Eso preservó de algún modo el montón de cariño que nos tenemos. Ese es uno de los motivos del regreso, más allá de querer tocar otra vez juntos. Nos interesa pasar un tiempo juntos, hacer cosas, viajar. Es un placer para mí y un honor regresar con ellos. Es gente a la que quiero mucho.

¿Pensaron mucho el retorno?

Decidimos parar de tocar porque no teníamos la seguridad de hacer un papel digno. Estábamos muy cansados. Nuestro último concierto, que fue el más grande, nunca fue promovido como el último ni dijimos que era una gira de despedida. Simplemente nos miramos a los ojos y vimos que era tiempo de parar. Así fue el regreso: no se trataba de hacer un gran retorno. Hace un año que estamos ensayando para esto.

¿Qué tan diferente es salir de gira cuando hay familias de por medio?

En los últimos años de los Cadillacs ya salíamos con niños y esposas. Lo que sucede ahora es que nuestros hijos están más grandes y eso facilita mucho todo porque podemos viajar sin las mamás y solo con los hijos (risas), luego se nos unen las madres. Por fortuna, son las mismas familias de siempre.

ANDRÉS ZAMBRANO
EDITOR DE CULTURA

Fuente: El Tiempo (http://www.eltiempo.com/culturayocio/musica_in/home/vicentico-voz-lider-de-los-cadillacs-habla-del-grupo-antes-de-sus-conciertos-en-colombia_4639770-1)

Fabuloso regreso

Con un concierto de poco más de dos horas, la legendaria banda argentina estremeció a los asistentes al inicio de su gira "Satánico Pop Tour 2008".

“Vasos vacíos” y “Matador” sonaron épicas en las cincuenta mil gargantas congregadas esta noche en el Foro Sol de la capital mexicana para dar la bienvenida a los ídolos argentinos Los Fabulosos Cadillacs, ausentes de los escenarios por seis años.

La mítica banda, formada en 1985 y que puso un paréntesis en su carrera en 2002, brilló durante dos horas y media con éxitos que el público coreaba a la perfección, en el arranque de su “Satánico Pop Tour 2008″, su gira de regreso.

Vicentico y los suyos salieron al escenario pasadas las nueve de la noche, con la melodía de James Bond como telón de fondo, e inmediatamente resucitaron su leyenda con la historia cantada de Manuel Santillán “El León”.

Su mezcla de sonidos latinos, rockeros, ska y reggae hipnotizó hasta el frenesí a una audiencia -muy joven en su mayoría- que, nada más comenzar el espectáculo, ya hizo temblar visiblemente la pista con sus saltos y cantaba como si le fuera la vida en ello.

Los argentinos siguieron al pie de la letra su frase “Si no hay galope, se nos para el corazón” y se lanzaron a una carrera sin freno por agitar el músculo de la vida en los testigos de su reencuentro en vivo.

Seis canciones tardó el vocalista Vicentico en dejar su poesía herida de noche bohemia y parrandera para saludar al público brevemente; tenía prisa por incitar al baile y se mostró parco en palabras, pero pródigo en atenciones musicales.

El ritmo bajó un poco a mitad del concierto, para dar salida al lamento y reconciliación de “Siguiendo la luna”, lo que dio oportunidad para poner los teléfonos móviles iluminados en alto en el momento sentimental de la noche.

Pero pronto aceleraron los Cadillacs su revolución desbocada a ritmo de percusión y saxo para llegar a sus tradicionales “Calaveras y diablitos”, “Gitana” y “Vasos vacíos”, todo un himno que atrapó definitivamente a los cincuenta mil asistentes.

Poco después de “Carnaval toda la vida” y “Mal Bicho”, los músicos, legendarios una vez más, cumplieron con el trámite de amagar la despedida, volver a colgarse los instrumentos, y gritar que la noche no había acabado.

“¡Te están buscando, matador!”, tronó Vicentico desde las tablas para abordar uno de sus mayores éxitos, un “Matador” más cercano al reggae que al rock, cargado del aura mágica de momento inevitable.

Los Fabulosos -apodo bien ganado a sangre y fuego en los escenarios- intercalaron también en el show algunos de sus temas nuevos, incluidos en su álbum de reencuentro “La luz del ritmo”.

De ellos, el que pareció no funcionarles como esperaban fue su versión del clásico de The Clash “Should I stay o should I go”, que, contra todo pronóstico, no prendió al público a pesar de su vigoroso ska.

Tras “Guns of Brixton”, otro tema original de The Clash, la noche cumplía ya dos horas y media de épica musical, y poco tardó la banda en saludar con una inclinación al respetable y citar de nuevo a sus aficionados para mañana, a la misma hora y en el mismo lugar.

“Satánico Pop Tour 2008″ continuará después por Guadalajara, Monterrey y Tijuana, en México, para viajar más tarde a Colombia, Perú y Argentina.

Fuente: El Economista (http://eleconomista.com.mx/entretenimiento/2008/11/06/2203/fabuloso-regreso/)